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El abrazo de la Serpiente

26/01/2016 2 comments

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Hace mucho no iba a cine y escribía una entrada. Hubiera podido hacerlo con Spectre o con Star Wars pero aunque realmente no hubo tiempo para hacerlo –de pronto lo haga posteriormente– ¿qué mejor excusa que volver para hablar de la peli de Ciro Guerra?

Finalmente, después de todo el «boom» causado por Cannes el año pasado, Ciro Guerra presentó su tercer largo en el país llamado El abrazo de la serpiente. Cannes en ese entonces lo laureaba en la categoría escogida por la Confédération Internationale des Cinémas d’Art et d’Essai, que podría ser catalogada como una de las más importantes para el cine independiente porque trata de protegerlo de la gran industria y los feroces estudios que inundaron el festival. En ese entonces las salas colombianas estaban agolpadas y mis tiempos personales no eran los mejores así que la dejamos pasar para poder ver la bellísima La Tierra y La Sombra de César Augusto Acevedo. Meses después, lo jamás logrado por película colombiana, El abrazo de la serpiente es nominada en la categoría mejor peli extranjera tanto en los Oscar como en los Spirit y otra vez las salas se llenaron –pero esta vez si la logramos–.

El abrazo de la serpiente tiene tonos míticos, basados en su anacronismo narrativo. La historia tiene orígenes claros a principios del siglo XX, en una de las últimas expediciones del etnólogo Theodor Koch-Grünberg, revive épocas alrededor de 1950 cuando el botánico Richard Evans Schultes revisa los pasos del germano y nos recrea la historia más contemporánea de Wade Davis (One River) que nos explica como tanto el etnólogo y el botánico por diferentes motivos buscan con fe ciega La Yakruna. Son tres momentos diferentes tanto en la historia como en la experiencia del espectador y sin embargo todas están unidas mediante Karamakate, un cohiuano errante que se considera un chullachaqui (cascarón vacío) que durante dos generaciones intentó ayudar al hombre blanco a conseguir la Yakruna. Su mensaje cercano a la leyenda de Plutarco, es que el hombre blanco se ha adentrado en su selva varias veces, miles de veces, para entender los secretos de la Yakruna y sin embargo se refiere a Heráclito cuando evidencia que no son varios hombres blancos sino uno solo tratando de atravesar el río pero ni el río es igual, ni ellos mismos tampoco.

El abrazo de la serpiente es un llamado a romper ciclos, durante lunas y lunas, durante años de años, durante varios movimientos mágicos del cielo, donde hemos cometido consistentemente el mismo error, repararlo requiere de nosotros no sólo disposición sino determinación para cambiar nuestros más arraigados paradigmas. El héroe de la historia es un individuo solitario pero es también un semidios donde recae el último resquicio de conocimiento del caapi de Yakruna. Es Prometeo. Su misión pareciera proteger ese saber del hombre blanco pero si algo tiene de «road-movie» esta peli es que al final de su travesía, el conocimiento del viaje es lo que lo hará trascender en su destino. La Yakruna es una rara orquídea y una planta sagrada entre los cohiuanos que les permite comunicarse entre ellos a través de kilómetros y kilómetros de selva mediante un trance de Ayahuasca. Koch-Grünberg la buscó para salvar una malaria, Schultes vió un camino más documentativo para que este conocimiento prevaleciera y logró identificar entre varias plantas que incluyen la Yakruna (Psychotria viridis) y la Chaliponga, los ingredientes con los cuales los cohiuanos arman el Caapi (Ayahuasca).

Si me preguntan quién es la persona más influyente en el cine colombiano, yo diría que Dago García y sin remordimiento si me preguntan quién es el que ha desarrollado e impulsado el incipiente negocio del cine en Colombia, vuelvo y repito Dago García. De esa labor, ha nacido un personaje tan especial como Ciro Guerra que no sólo ha esculpido la mejor de nuestras tendencias cinematográficas sino que al igual que Dago García, se permite producir piezas interesantes y aún más independientes que las suyas propias. Gracias a ambos, esperamos que esta incursión en el reconocimiento mundial de nuestro cine, no sea una anécdota sino el inicio de nuestra industria. Para bien y para mal.

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THX 1138

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Estaba curioseando por ahí en internet y me topé con el primer largo de George Lucas. Es curioso que Lucas, antes de THX 1138, hubiera dirigido una docena cortometrajes en un periodo no mayor a seis años y que después de cuatro décadas sólo haya dirigido seis piezas, cambiando su pasión prolífica de la realización por la escritura y la producción.

THX 1138 es una historia de ciencia ficción, sobre un hombre atrapado en una sociedad subterránea y cuyo trabajo es la manufactura de robots; los hombres están controlados por fuertes narcóticos, una ordenanza religiosa computarizada y ondas cerebrales que intervienen su sistema nervioso; hay una serie de ordenanzas que si no se cumplen se vuelven crímenes contra la sociedad como por ejemplo que no se permiten las relaciones interpersonales de manera abierta; por eso, están súper vigilados por un sistema despótico y fascista que los controla muy de cerca con un circuito cerrado de televisión.

Las personas no tienen nombres sino que son relacionadas con una serie de siglas (tres) y un código (de cuatro dígitos); la peli toma el nombre de este hombre llamado THX 1138, interpretado por un joven Robert Duvall, que sufre una reacción adversa con las drogas que ha venido tomando y las deja de tomar, gracias a esto, toma conciencia sexual de su compañera de cuarto LUH 3417 (Maggie McOmie) y de la situación opresiva en la que vive; sus crímenes son reportados y el encargado de revisar el caso es SEN 5241, interpretado por Donald Pleasence –una cara conocida de James Bond, el Ernst Blofeld más reconocido de la saga–; SEN intenta acercarse a THX pero de manera indebida y es igualmente reportado, generando una situación de persecuciones, intrigas y decepciones.

Lucas con THX 1138 tiene una visión «orwelliana» del futuro y nos da primeros sorbos de lo que será su obra maestra Star Wars; por ejemplo la anatomía, el comportamiento y el tono de voz de C3PO se ven expuestos en los los policías del sistema, hasta esa forma de nombrar los robots –C3PO ó R2D2– parecen sacados de este universo. Seguramente, Michael Bay y su The Island estuvieron positivamente influenciados por esta cinta pero el final abierto y el montaje final de THX 1138 están muy por encima de las maquinarias de Hollywood –a las que después ingresaría George Lucas muy cómodamente–.

Django Unchained

07/02/2013 5 comments

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No podría empezar esta entrada sin hacerle justicia a la peor injusticia de este año, en todos los premios relacionados con Hollywood. Todo el mundo habla del robo de La Academia a Leonardo DiCaprio (que ni siquiera lo nominó como mejor actor de reparto) pero nadie habla de Samuel L. Jackson.

Hay que decir que Jackson es el actor más inconsistente que conocemos en la industria. Un día puede estar aceptando un papel para The Incredibles y desarrollar un gran personaje para después aceptar participar en la triste secuela del agente xXx: State of Union; puede recuperar toda su popularidad muy rápido con Star Wars: Episode III Revenge of the Sith y después aprovecharse de esa “cheveridad” para promover Snakes on a Plane como el gran hito de su carrera. Eso no niega que, si no es el actor fetiche de Tarantino por lo menos está dentro de sus favoritos y definitivamente con Django Unchained vemos la cúspide de su carrera.

Stephen, el papel que interpreta en Django Unchained, es lo que se conoce como un «Uncle Tom». Una clase de negro que apoya, soporta y defiende la esclavitud. El término es acuñado mucho tiempo después de la época en la que Tarantino centra su historia cuando, después de abolida la esclavitud, existen ciertos grupos que gracias a la fuerte represión y la inercia de la sociedad autoperpetúan su yugo como animales domesticados. La actuación de Samuel L. Jackson es abominable, despreciable, escalofriante y a la vez genial. Sus ojos en la pantalla rechinan como cuando una tiza se desliza incorrectamente en un pizarrón y destempla los dientes. La única razón que me queda para la ignominiosa omisión es que es tan perfecto su desempeño que logró levantar llagas y causar verdadera repulsión; pero si esta es la causa de su privación ¿no se debería calificar precisamente ese esfuerzo? ¿No es precisamente Jackson bastante digno para recibir un gran reconocimiento? Aún no lo entiendo.

Tarantino después de Los Basterdos encontró que su verdadero fetiche era reciclar los géneros cinematográficos que tanto le encantaban, las novelas «pulp», el cine negro, las «vendettas», las peli de nazis y las de explotación. Mucho se había especulado sobre el siguiente proyecto del realizador y aunque casi era seguro que iba a ser una reinterpretación de Faster, Pussycat! Kill! Kill! de Russ Meyer, al final, la vuelta terminó siendo un spaghetti western. Este subgénero en el cine acopla cientos de producciones filmadas en Italia y México y fueron la adoración de la generación que vio nacer a Clint Eastwood en los desiertos de Andalucía. Con el sólo nombre, Django recoge en su haber más de 30 títulos y todos nacen de la cinta que protagonizó Franco Nero en 1966. Su director fue Sergio Corbucci y causó una grata impresión que a la postre casi se vuelve una fijación en el género. Quentin Tarantino tuvo su primer acercamiento a este tipo de pelis como productor de Takashi Miike con una sátira del subgénero llamada Sukiyaki Western Django. Investiga a Corbucci y por supuesto La Trilogía de los Dólares de Sergio Leone para desatar esta Django Unchained mezcla de esclavitud, vendettas y vaqueros cazarecompensas.

Si seguimos con las actuaciones, Leonardo DiCaprio es para mi el segundo en la lista. Aunque Christoph Waltz es el que ha sido reconocido como el pilar de la cinta, fue DiCaprio quien convenció a Tarantino de que su papel de Monsieur Calvin Candie podía ser ejercido por él. Originalmente el dueño de la Gran Plantación de Candyland iba a ser un hombre mayor, poderoso y agrio. Al lado de Tarantino, DiCaprio desarrolló un personaje más sangriento, descabellado, torturador y maligno que a los ojos del mismo escritor-director, no sólo le pareció genial sino que a su vez no ve ahora cómo hubiera podido ser de otra forma. Si aceptamos que Waltz está recreando muy cercanamente su Coronel Hans Landa de Los Basterdos y si el papel de Leonardo DiCaprio es tan genial y él mismo ayuda a desarrollarlo -en una pieza que está nominada como mejor guión original– ¿no es acaso injusto también el silencio de La Academia en su nominación?

La aparición del mismísimo Franco Nero en una pelea de mandingos es genial en dos sentidos; el primero es que Nero y Jamie Foxx parafrasean el diálogo original de 1966 de cómo la “D” en Django es muda; y lo segundo la brutalidad de la misma pelea de los mandingos trae a colación muchas más cintas de western como por ejemplo la misma Mandingo de 1975 dirigida por Richard Fleischer. Pero Nero no es tan genial como el pequeño papel de Big Daddy interpretado por Don Johnson, dueño de una plantación; casi irreconocible, con su corte de barba y bigote y su pegadizo acento sureño hace notable la situación del latifundista sureño.

En este sentido, Django Unchained es rico en muchísimas más particularidades del reparto dentro de toda la pieza.

Tarantino se sale de nuevo con la suya y ofrece un divertimento de casi 3 horas bastante entretenido y muy apegado al género que lo inspiró. Esta pieza hay que verla definitivamente en cine para disfrutar la fotografía y las cámaras de Robert Richardson, el montaje de Fred Raskin y el diseño de producción de J. Michael Riva. La peli sin embargo está muy por debajo de Los Basterdos o la misma Jackie Brown. Si me lo permiten, Tarantino es verdugo de si mismo y eludiendo el “pastiche” que tanto quiere evitar sigue en ese juego iconoclasta de ultraviolencia y música atemporal que tanto afectan la credibilidad de su trama -en Los Basterdos hay una ligera excepción y es por eso que es tan genial-. Ahora bien, está nominada la cinta a cinco nominaciones al Oscar, si me lo preguntan creo que el Oscar de Waltz está cantado y asegurado, el Globo de Oro puede empujar el Oscar a mejor guión original -aunque el gremio de escritores lo haya descalificado ya- y con el músculo de la Weinstein Company es posible que sea la sorpresa de la noche arrebatándole a Lincoln mejor peli -pero sabemos que es demasiado descabellado-.

Nota personal. Encontré la lista original de las 31 pelis que evocan un Django siendo la original la de Sergio Corbucci en 1966 protagonizada por Franco Nero y Django – Il grande ritorno (Django Strikes Again) de 1987 que es aceptada como la única secuela oficial de la epónima secuencia también con Nero de protagonista.

  • Django (1966)
  • Few Dollars for Django (1966)
  • Django Shoots First (1966)
  • Two Sons of Ringo (1966)
  • The Last Killer (1967)
  • Django Kill (If You Live, Shoot!) (1967)
  • Don’t Wait, Django! Shoot! (1967)
  • Son of Django (1967)
  • 10,000 Dollars for a Massacre (1967)
  • Any Gun Can Play (1967)
  • Two Faces of the Dollar (1967)
  • Man, Pride, Revenge (1967)
  • If You Want to Live… Shoot! (1968)
  • Django Kills Slowly (1968)
  • Preparati la bara! (1968)
  • Django Does Not Forgive (1969)
  • Hanging for Django (1969)
  • Gallows Rope for Django (1969)
  • False Django (1969)
  • Django the Bastard (1969)
  • One Damned Day at Dawn… Django Meets Sartana! (1969)
  • Django Against Sartana (1970)
  • Django Meets Sartana (1970)
  • Django and Sartana are Coming… It’s the End! (1970)
  • Sartana’s Here…Trade Your Pistol for a Coffin (1970)
  • Django defies Sartana (1971)
  • Django is always No. 2 (1971)
  • Django’s Cut Price Corpses (1971)
  • A Ballad of Django (1971)
  • A Pistol for Django (1971)
  • A Man Called Django (1971)
  • Gunman of One Hundred Crosses (1971)
  • Shoot, Django! Shoot First! (1971)
  • Death Is Sweet from the Soldier of God (1972)
  • Down with Your Hands… You Scum! (1972)
  • Django… Adios! (1972)
  • Long Live Django! (1972)
  • Django Strikes Again (1987)
  • Sukiyaki Western Django (2007)
  • Django Unchained (2012)
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Rubber

06/12/2011 2 comments

Artist: Olly Moss

Me vi tres pelis que pueden armar un pequeño ciclo llamado la vida en los objetos inanimados: Rubber, The Little Shop of Horrors y Reflexões de um Liquidificador. Tres cintas que contemplan el alma en objetos que generalmente son naturalezas muertas, bodegones en la vida real pero que gracias a la creatividad de los realizadores se vuelven protagonistas de historias cinematográficas.

Rubber de Quentin Dupieux es una peli interesante que nos aterriza en una hipótesis sobre el sinsentido en el cine. Como primer deber, Dupieux se dirige al público, en general, y al público espectador para aseverar que la cinta que vamos a observar es un homenaje a todos los giros cinematográficos que sin razón alguna dan dirección, estructura y fundamento a cualquier pieza en el cine. Hablo de dos públicos porque la historia está dirigida per sé a todos los que estamos al otro lado de la cámara pero también a un grupo de personas testigos de la historia que se está narrando y que son denominados, así mismo, la audiencia.

Dicho esto y dispuestos todos los protagonistas en escena, Rubber se centra en la historia de un neumático que despierta en un desierto y tambaleante emprende camino hacia su destino. Descubre la necesidad de sobreponerse sobre sus semejantes y en este acto desarrolla una especie de telequinesis cuando se enfrenta a la frustración de seres que no son fáciles de pisotear o dominar. Conejos, cuervos y seres humanos encabezan una lista de víctimas a las que vemos sus cabezas estallar frente a la pantalla. Una delicia para los amantes del horror.

La temática «gore» y el absurdo de las pelis de bajo presupuesto es abordado de una forma genial a nivel de crítica tanto hacia el espectáculo como tal, así como también para la audiencia que se comporta de manera morbosa e insensible frente a los eventos en pantalla. Rubber no es entonces la historia de una llanta asesina, esto la haría tan sólo una peli más del género, un tanto aburrida y que podría archivarse fácilmente con el resto de sus semejantes. Rubber es una peli, si de bajo presupuesto, con una temática típica de la serie B, con algo de horror, gore y suspenso pero es más un proyecto con una cinematografía impecable, unas actuaciones propias del género y una excusa divertida. Es un tanto pretensiosa pero el juego del sinsentido es inagotable hasta el último cuadro.

Dupieux es mejor conocido como DJ bajo el alias de Mr. Oizo y él mismo es el encargado de hacer la ambientación y la composición de música original para la peli. Al ser un músico el encargado de esta función -y no un ingeniero, por ejemplo- el diseño de sonido es impecable, y muy elocuente por cierto, una combinación que logra un elemento extraordinario que no veíamos tan claro posiblemente desde Star Wars el tema que acompaña la figura maligna; en Rubber, Dupieux es evidente que compone un estribillo para la figura antagónica que aporta desarrollo al carácter del protagonista. Es extraño, estoy hablando de una llanta y sin embargo el escritor-director logra aportarle esa personalidad a este elemento inanimado de tantas formas posibles que hace muy interesante el resto de la pieza si uno logra alejarse de la obviedad comercial de su naturaleza. Su lanzamiento fue nada más y nada menos que en Cannes de 2010, fue fiel a su origen y tanto su temática base como su cartel espantaron a los críticos pero es hora de darle una oportunidad justo cuando empiezan a rotarla en los ciclos independientes de Cinemax.

Tron Legacy

25/12/2010 7 comments

Qué complicado es hacer la reseña de esta peli, siendo objetivos es una buena peli con una excelente banda sonora a cargo de Daft Punk pero es imposible no compararla con el primer capítulo de la saga: Tron, una peli que me impactó mucho cuando era pequeño y que recién repetí asombrándome la calidad de los efectos, la historia bastante interesante y con una narración impecable. No estoy seguro que esta llegue a ser tan impactante pero definitivamente tiene su toque imperdible en sala; el 3D no es que ayude mucho o por lo menos siento que no fue aprovechado al máximo, así haya sido filmada en RealD, lo mejor de esta técnica son los créditos finales por lo que si valdría la pena buscarla en IMAX y estoy seguro que si la trajeron en ese formato (aunque un amigo me dijo que The Dark Knight fue traída en IMAX con una calidad pésima).

La peli actual es dirigida por Joseph Kosinski y su co-productor es Steven Lisberger (director de la primera parte). Su impacto visual es innegable, súper bonita a nivel de diseño de produción (Darren Gilford), cinematografía (Claudio Miranda) y montaje (James Haygood). Los efectos son bien interesantes, nos mantienen interesados en la trama pero no logran salvar que es un poco forzada y que siendo densa el ritmo en un momento se pierde por completo.

Para rescatar, es una buena segunda parte. No todas las sagas tienen la suerte de encontrar un buen complemento en los segundos capítulos; Matrix por ejemplo se estrelló por completo en su segunda parte y por ejemplo Star Wars se hizo épica en The Empire Strikes Back. Aún no se han terminado de inventar el «pluggin» que ayuda a rejuvenecer a los protagonistas maduros pero igual era bien divertido encontrarse a Clu con Kevin Flynn personificados muy bien por Jeff Bridges, a su lado Michael Sheen, Bruce Boxleitner, Garrett Hedlund, James Frain cumplen un papel destacado pero lo más divertido es sin duda la fugaz aparición de Daft Punk que le aportó agudeza y humor a la peli.

Lo que más me gusto, debo reconocerlo, fue en lo que fui más escéptico, la evolución de todos los aparejos dentro de la grilla pero en cine, las motos, las nodrizas y los trajes pueden llegar a ser lo más impresionante sin embargo el tema de las sirenas apenas llega Sam, me pareció un delicado toque de coquetería que también puede llegar a pagar la boleta: Beau Garrett, Serinda Swan, Yaya DaCosta, Elizabeth Mathis, hermosas.

La recomiendo totalmente en cine, se pasa un buen rato y para los aficionados es un buen paso en la historia.

Death at a Funeral

En esa malhechora costumbre de Hollywood de reelaborar para hacer suya la cultura del cine universal, lo único positivo que queda es la inquietud de buscar la peli original que seguramente va a tener mucho potencial en la consecución del final, va a ser menos parroquial en sus propuestas filosóficas y sí, muy posiblemente, puede ser más interesante y divertida.

¿Por dónde empezar? The Ring, Dark Water, The Grudge pueden ser un par de ejemplos de lo que hizo Hollywood con el género de terror japonés, recientemente. The Vanishing, Funny Games U.S. o en producción The Girl with the Dragon Tattoo con pelis independientes de Holanda, Alemania y Suecia. Sus acercamientos también se logran con el cine hispanoamericano con Vanilla Sky, Criminal y hasta se rumoraba de una basada en una colombiana con Nicole Kidman pero aún no está bien definida.

El tema puede alargarse para hablar de los re-enlatados que Hollywood hace incluso de su misma historia pero este par de parráfos están fundados en que no vamos a hablar de Death at a Funeral de Neil LaBute en 2010 con Danny Glover, Regina Hall, Martin Lawrence, James Marsden, Tracy Morgan, Chris Rock y Zoe Saldana. Vamos a hablar de la divertida comedia que hizo Frank Oz en 2007 también con un reparto de lujo pero con una producción británica. Ewen Bremner, Alan Tudyk, Jane Asher, Matthew Macfadyen, Peter Vaughan, Kris Marshall y uno que repite tanto en la norteamericana como en la británica que es Peter Dinklage.

La peli es dirigida como les digo por Frank Oz, a veces muy recordado por su carrera histriónica que incluye la voz de Yoda en la saga de Star Wars o Piggy, Fossie y Animal en los Muppets además de muchos más papeles de bajo calibre en pelis de bajo calibre. Oz en su paso detrás de las cámaras sigue siendo honesto y le encanta las comedias y la serie B, es capaz de dirigir a Dreyfuss y Bill Murray What About Bob? , hacer un thriller policiaco con De Niro y Norton en The Score o su regreso a la comedia en The Stepford Wives con un elenco de primera (Bette Midler, Nicole Kidman, Matthew Broderick, Glenn Close, Christopher Walken).

La peli es una comedia ligera basada en el guión de Dean Craig, que hizo también el guión de la norteamericana y por eso también la coincidencia general. No es que sea la mejor comedia que haya visto pero es mordaz, astuta y no pierde ritmo como muchas de las comedias inglesas que tienden a encantar por su acento, sus costumbres y a veces lo crudo de su humor. La gringa apela al chiste negro y sigue siendo divertida pero fue demasiado reciente, se ve como una mala copia porque no dejaron descansar al público y casi que terminan una para empezar a producir la otra. Yo la recomiendo antes que la de 2010, así se mantienen frescos los chistes y el humor no se siente acartonado.

Star Trek

29/09/2010 4 comments

Tal vez no sea el más indicado para hacer una entrada reseñando Star Trek porque no soy el más aficionado a la franquicia o, todo lo contrario, de pronto si tengo una gran oportunidad para hacerlo porque me fascinó la peli a pesar de no ser el más aficionado a la franquicia.

J.J. Abrams es el director de un nuevo capítulo cinematográfico de esta serie que empezó en TV y se volvió el culto de muchos ñoños, aficionados a los comics, el cine, la TV. Toda una cultura popular alrededor del tema. Una gran responabilidad para Abrams quien genialmente le da un giro a la historia desde que empieza la peli y afirma: “Voy a hacer mi versión de Star Trek, voy a serle muy fiel a los aficionados pero me importa un pepino lo que esté escrito o dogmatizado”.

En realidad, nunca fue tan duro en las entrevistas que precedieron el lanzamiento de esta peli pero definir toda la nueva mitología de Star Trek en un universo paralelo sólo se puede hacer con mucho coraje y siendo el nuevo consentido de Hollywood y Spielberg.

Para mi como espectador de la serie de TV de los 60’s fue muy bonito imaginarme los orígenes de cada uno de los personajes según esta travesía. Sentir el buen humor de Abrams y de cada uno de los actores aportándole su propio estilo a cada uno de los protagonistas de la tripulación fue realmente simpático. Creo sin lugar a dudas que lo más loable es la actuación de Zachary Quinto reconocido por su papel como Sylar en Heroes esta vez con un peso grande al representar un ícono como Spock y lograrlo impecablemente. Sin embargo, la aparición de Leonard Nimoy no sólo es electrizante, impactante, empática, simpática, es lo que paga la boleta.

La peli está llena de entretenimiento puro al mejor estilo de Abrams, suspenso, acción, aventura, ya había nombrado el buen humor, carisma en el discurso, una excelente historia, una cinematografía impecable a cargo de Daniel Mindel, una musicalización magnífica a cargo de Michael Giacchino, un Oscar por mejor maquillaje para Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow, nominaciones reconociendo sonido, montaje y efectos especiales. Tal vez si no le hubiera tocado tan dura la competencia (recordemos que estaba compitiendo con Avatar, District 9 y The Dark Knght) la lista de reconocimientos hubiera podido ser mucho más alta.

Además de Quinto y Nimoy, el resto del reparto está conformado por Chris Pine como James Tiberius Kirk, Karl Urban como el doctor Leonard McCoy, Zoë Saldana como Nyota Uhura, Simon Pegg como Montgomery Scott, John Cho como Hikaru Sulu, Anton Yelchin como Pavel Chekov y Eric Bana como Nero.

Nota personal. Dice Chris Pine que la forma en que resolvió su personaje fue al estilo de Harrison Ford como Han Solo en Star Wars. No sólo fue muy acertado en la génesis del capitán Kirk, hace de lo más entretenido la peli.

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