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Rutger Hauer (1944-2019)

Dos papeles grandes e importantes marcaron mi niñez con Rutger Hauer.

El primero, obviamente, el replicante de Blade Runner con su hermosísimo monólogo frente Deckard, bajo la lluvia en medio de la tensión de haberlo salvado pero también después de haberlo condenado. Uno podría decir, que fue un gran intérprete del guionista David Peoples, pero tanto él como Ridley Scott reconocerían que Hauer habría improvisado y alterado las líneas del que ahora casi que consideramos poema “Tears in rain“:

    I’ve seen things you people wouldn’t believe.
    Attack ships on fire off the shoulder of Orion.
    I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate.
    All those moments will be lost in time, like tears in rain.
    Time to die.

La imagen del moribundo replicante caló y sería suficiente en este humilde homenaje post mortem pero su reconciliación como héroe del camino en la «road-movie» Blind Fury, ciego y además diestro en las artes marciales también quedó para siempre en mi memoria. La memoria de un niño de 9 años que tenía en su cuarto un afiche de Bruce Lee, todo ensangrentado, en fondo rojo y con el dragón de Operación Dragón.

Paz en la tumba del replicante.

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The Wolverine

the-wolverine

El auge de las pelis basadas en comics tiene su razón de ser en la codicia de los estudios cinematográficos que han tratado de explotar los derechos de las editoriales más populares de estas piezas gráficas; obvio desde hace casi un siglo ya, pero sobre todo con los recientes resultados alcanzados por los grandes estudios, se pone en la mira de los productores y directores este tipo de producciones. Sin duda los que mejor han logrado sus metas en taquilla son el triunvirato armado por Marvel Studios/Buena Vista/Disney Pictures por un lado y Warner Brothers/DC Comics por el otro.

Fox, y Sony Pictures, se meten en la pelea al poseer los derechos exclusivos de explotación de una parte importante de estas grandes potencias editoriales del comic, y en parte, son los responsables de que Universos Cinemáticos más grandes no se hayan formado perfectamente aún. Fox poseía hasta finales del año pasado los derechos de los X-Men, Fantastic Four y DareDevil; sus salidas con estas dos últimas sagas no fueron las más exitosas posibles y fueron relegadas en los rincones del estudio -a tal punto que incluso les tocó devolver los derechos de DareDevil a Marvel porque no tuvieron cómo sacar una nueva producción antes de octubre del año pasado-.

Fox ha visto mejores resultados en la explotación del microcosmos de los X-Men, con su primera trilogía pero logró decepcionar una gran parte de la crítica y la fanaticada precisamente con el cierre de la misma -gracias en parte a que Brett Ratner no supo interpretar lo que había construido Bryan Singer-. Luego el estudio intentó desarrollar subproductos de las mini-historias de los grandes favoritos y empezó con Wolverine pero de nuevo Gavin Hood se estrelló y apenas alcanzó un aceptable promedio en taquilla. El británico Matthew Vaughn dirigió X-Men: First Class y conquistó una taquilla similar pero logró lo que no había conseguido Fox hasta ahora, interés de la fanaticada en más piezas por venir.

First Class es sin duda una de las mejores piezas de Fox logradas hasta ahora, incluso por sobre las primeras realizaciones de Singer. Plantea una precuela de la historia, describiendo el origen de la amistad profunda entre Magneto y el Profesor X, tácita en todas las demás tramas que se entrelazan entre ellos y, lo más importante, conectándose con los subproductos ya publicados. Después de First Class, Fox logra una luz de esperanza y se aventura de nuevo con Mark Bomback y Scott Frank en la creación de una nueva historia para Wolverine. En principio, el director encomendado era el súper oscuro realizador Darren Aronofsky pero su agenda se lo impidió; James Mangold asumió entonces la responsabilidad del proyecto y aunque podía lograr el tono independiente esperado, su trayectoria era poco consistente, donde la calidad de sus piezas se sacrifica por el entrenimiento prometido, lo cual de alguna forma era preocupante.

The Wolverine finalmente sorprende con una madurez narrativa y una historia aislada de lo que veníamos viendo como espectadores sin tener que relanzar la franquicia o redefinir sus orígenes. Logan interpretado -ya seis veces- por Hugh Jackman se encuentra oculto y sumergido en los profundos bosques del medio oeste norteamericano, acosado por pesadillas en las que se ve envuelta su culpa por la muerte de Jean Grey (Famke Janssen). Hasta allá, va a buscarlo su destino encarnado en Yukio (Rila Fukushima), una joven espadachín asalariada de Yashida (Haruhiko Yamanouchi), viejo amigo de Nagasaki donde Wolverine salvó su vida; Yashida ha estado en la búsqueda de Logan porque quiere pagar su deuda de honor de esa época. Gracias a que Yukio puede ver el futuro, logra encontrar al Wolverine y transportarlo a Tokio. La acción se centra entonces en Japón, a donde viaja Logan en busca de su amigo; entran en acción samurais, yakusas, ronin, arqueros y espadachines, sin saturar la historia, y sobre todo dando un pulso interesante a otro eslabón de X-Men. Si esta peli es realmente entretenida, cadente y oscura al mando de Mangold, no puedo siquiera imaginar cómo hubiera sido si Aronofsky la hubiera dirigido.

The Wolverine es el único que ha logrado darle redondez a Fox y se ha vuelto su personaje más preciado. En este capítulo se adapta perfectamente a la cultura japonesa y se enriquece con todo su folclor, su música, sus colores, sus paisajes y su arquitectura. Pero la madurez de la pieza también se da del aprendizaje logrado con First Class; The Wolverine trae a colación la detonación nuclear que Estados Unidos propició en Nagasaki, pero no es protagonista, tal cuál como el incidente de Bahía Cochinos en First Class, generando vínculo, credibilidad y congruencia en su propio Universo Cinemático. Hay dos o tres escenas tipo comic que son espectaculares para que le pongan atención; el ataque ninja, el despertar del samurai de adamantio y las flechas en la espalda de Wolverine; estas tres escenas, combinadas con la música original de Marco Beltrami y las cámaras de Ross Emery, logran darle el tono épico a la cinta y pagar la boleta. Igual esperen en sus sillas sentados, hay más historia en los créditos que nos prepara desde ya para Days of Future Past, el tan esperado regreso de Bryan Singer a la franquicia.

Mientras Warner redondea los 3 millardos de dólares desde este auge de los comics en el cine, gracias en parte a la oscuridad que ha venido explotando de historias como Batman (Batman Begins, The Dark Knight, The Dark Knight Rises) y Superman (Man of Steel), Marvel no se queda atrás para nada con una mega cifra de 5 millardos de dólares con siete producciones (Iron Man I, II y III, Thor, Captain America, The Incredible Hulk, The Avengers) y aún quiere más. Contando las taquillas de Fantastic Four, Fox alcanza una respetable cifra de 2.300 millones de dólares con siete producciones y espera que, por primera vez, con The Wolverine puedan sobrepasar la marca de los 500 millones que ninguna de sus producciones ha logrado para soñar con la cifra neta de los 3 millardos, en su portafolio.

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Serbuan maut

Serbuan maut (The Raid: Redemption) es dirigida por el galés Gareth Evans. Este particular director puede ser considerado como realizador de cine de autor por dos razones; una obvia, es escritor de sus cuatro pelis todas en idiomas orientales (indonesio o japonés) y la otra es que radicado en Indonesia ha expuesto en sus historias un personaje característico, el Pencak Silat siendo el exponente más febril de esta arte marcial. El Pencak Silat es originaria de los indígenas nativos de Indonesia; es un arte compuesto de filosofía, acción y defensa personal. El componente de Java, «Pencak», define las características del desempeño como arte, mientras el componente de Sumatra, «Silat» define su esencia en el combate y defensa personal.

Gracias a esta particularidad los filmes de Evans se han vuelto muy populares y la atención le ha significado reconocimientos especiales. The Raid fue estrenada en el TIFF de 2011 y se ganó el Midnight Madness Award, que es el premio del público. Esta misma cinta concursó este año en Sundance y aunque no ganó en ninguna categoría de nuevo causó un gran revuelo en el público asistente y la crítica por su exótica, cruda y gráfica narración que bien podría rayar en el gore.

Aunque disfruté la cinta por la exquisita muestra de katas de puños y patadas, la ingeniosa fotografía con un color enrarecido y unas tomas impactantes, no deja de parecerme una cinta simplista y sin sentido. No hay desarrollo de personajes y el juego de acción se da por sentado en una trama plana donde un escuadrón de policía hace una incursión a un edificio donde se esconde Tama (Ray Sahetapy), un gran capo del narcotráfico indonesio. Los policías son grande en número y la misión parece sencilla pero piso a piso se dan cuenta que los arrendadores son fieles al capo y están fuertemente armados con todo tipo de municiones pesadas. Uno a uno van siendo eliminados y llegar hasta Tama se convierte en una feroz hazaña. Los bajos en cada pulsación de los gatillos y la luz estroboscópica reflejada en la cara de los pistoleros proveen satisfacción y adrenalina que a su vez es multiplicada por los geniales combates a mano limpia.

Esto justifica el impacto de la cinta en el público y la buena factura, su recepción en la crítica pero eso no salva ni a Evans ni a The Raid en que la pieza sea una vacía representación de un contexto llano. Redención es el resultado de librar a alguien de una mala situación. El acto de redimir al hermano no es completo o mejor no es claro y parece más un eslogan con un propósito publicista que un lema o complemento de la historia -se me ocurrió traducir el nombre original y el resultado fue invasión letal-. Entonces sin profundidad, sin desarrollo de personajes, sin una trama consistente y unos diálogos elaborados The Raid está más a la altura de The Expendables sin los clichés y el multimillonario reparto.

La cinta es entretenida y si la llegan a traer a salas, yo me la repito…

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Warrior


Warrior me llamó la atención hace unos meses porque le estaba siguiendo el rastro a la carrera de Tom Hardy y encontré este como su último proyecto. De un sólo golpe, su corto me llamó la atención por ser una historia dentro de cuadriláteros que como saben me fascina (toda la franquicia de Rocky, Gladiator, The Boxer, The Wrestler, The Fighter).

Esta cinta en particular no es de boxeo como tal, es la historia de dos hermanos que definen su destino en un campeonato de ultimate -como dice el afiche, Hardy (Inception, Bronson) por su honor y Joel Edgerton (Animal Kingdom) por su familia-. Su escritor-director es Gavin O’Connor, un joven realizador independiente, acostumbrado a producir y dirigir sus historias, que en total ya son nueve. La trama se plantea sencillamente con un peleador (Hardy) que quiere volver a la jaula y busca a su padre como entrenador; por el otro lado un profesor (Edgerton) que no le alcanza su sueldo empieza a participar en peleas clandestinas y se vincula a un campeonato estatal para ganar el premio mayor y poder sacar de las dificultades económicas a su familia. Ambos el profesor y el luchador profesional comparten el mismo padre (Nick Nolte), que se presenta como una figura oscura tratando de redimirse de su pasado. Nunca sabemos a ciencia cierta todo el daño que les causó a sus hijos sólo sabemos que su nivel de alcoholismo fue profundo y causó mucho dolor -este punto es el más interesante y siempre queda en la reserva del imaginario del espectador-.

El drama está muy bien desarrollado, la historia y el papel de Nick Nolte me conmovieron durísimo. Su nominación al Oscar como mejor actor de reparto es muy merecida. Sin embargo no deja uno de pensar que la peli se divide en dos y que tratar de conjugar el drama personal con el campeonato es un poco demasiado.

No creo que la traigan pronto a salas. Para los que no se quieran aguantar ya está en Cuevana.

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Action, Actor, Auteur, Drama, Exploitation, Folk, Gore, Indie, Martial Arts, Miguel Vaca, Movie, Serie B, Takeshi Kitano, Vacacion, War, World, 映画館

Autoreiji

El fin de semana vi que en Apple Trailers apenas están anunciando Autoreiji (Indignación) de Takeshi Kitano mientras que los que pudimos y tuvimos suerte ya la pudimos ver en Colombia. Placeres sencillos que una vez más nos ofreció el Festival 4mas1.

Kitano es un gran maestro del cine, con un estilo bien definido en narración y cámaras (recordemos que él escribe, dirige, a veces filma y monta sus propias cintas). Últimamente nos había traído la fábula de un artista en Akiresu to kame, la leyenda del ciego espadachín en Zatôichi o las surrealistas historias de Dolls pero a pesar que me gusta este tipo de cine debo confesar que soy más fanático de sus raíces en Kikujirô no natsu, Hana-bi o Sono otoko, kyôbô ni tsuki con su temática criminalista y con el acercamiento a la problemática Yakuza de manera tangencial. Pareciera que se sintiera más libre contando estas desgarradoras y escandalosas historias con todos sus baños de sangre que con las alegres y festivas -aunque también oscuras y sangrientas como Zatôichi– con las que nos venía acostumbrando.

Autoreiji a diferencia de todas ellas, se inmiscuye en el mundo Yakuza. No es más un tema cultural o un adorno de ubicuidad, es el centro del universo y de allí se despiden todas las relaciones de la historia. Las mafias japonesas tienen una gran cercanía, de lo que nos deja entrever Kitano, con las familias italianas donde el honor, el respeto a la jerarquía y la lealtad a la cabeza es lo que prima aparte de la criminalidad innata en una organización de este tipo. El señor Ôtomo, entonces, es un cabecilla de mando medio que recibe órdenes del señor Ikemoto que a su vez recibe órdenes del patrón Kan’nai. Los hilos del patrón empiezan a templarse por la relación poco atractiva entre la cabeza de la familia Ikemoto y los Murase creando un algido ambiente de confrontación en el cual queda el señor Ôtomo involucrado en un fuego cruzado y en un juego de traiciones que sólo despliegan atrocidad e indignación.

El ganador. La misma organización Yakuza. El final. Típico de las pelis de Takeshi Kitano en este tipo de pelis de corte policiaco.

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Tekkon kinkurîto

Tekkon kinkurîto (Tekkonkinkreet) es una peli animada dirigida extrañamente por un norteamericano en un estudio japonés de animé tradicional. Basado en el manga del mismo nombre, Michael Arias voló desde Nueva York hacia Tokio y terminó dirigiéndolo por asares de la vida. Se compenetró como nadie lo habría hecho durante doce años y al final la peli se volvió la catarsis que tanto ansiaba.

Arias es experto en efectos visuales reconocido en Hollywood por su trabajo en Clockers, The Abyss pero nunca había tenido real experiencia con animación. Fue la compenetración con la historia lo que a la postre convencería a los productores japoneses y al mismo estudio que él era el indicado.

Tekkon kinkurîto es una historia maravillosa del equilibrio entre el bien y el mal, no como entes absolutos sino como fuerzas de creación codependientes y simbióticas, encarnadas en dos poderosos niños: Black y White. Este par de niños viven en un pueblo llamado Treasure Town, icónicamente situado en Asia pero creado en el imaginario de Arias gracias a su aguda percepción de locaciones comunes en Tokio que documento con miles de fotos e ilustraciones (posteriormente) de su equipo. Así mismo, los artes, los personajes, las secuencias y la música original se fueron compilando poco a poco. Aquí hago un paréntesis para resaltar el trabajo logrado en el diseño de sonido de Mitch Osias quién no sólo logró capturar unos sonidos muy elocuentes de Tokio para definir el pueblo sino que a partir de ellos logró una mágica relación entre realidad y ficción que se conjugó perfectamente con Arias.

La peli tiene un ritmo diferente al que estamos acostumbrados pero es poderosa en narración y simbologías; por ejemplo, la cinta está saturada en una relación casi fetichista de ojos. Ojos en los collares, en los papel tapiz, en los afiches, la misma forma del pueblo es un ojo y muchas de las tomas terminan en ellos haciendo un énfasis muy gráfico sobre este punto. El ojo es un llamado del realizador a involucrarse en esta perspectiva de la historia tratando de alejarse de percepciones maniqueistas e invitando al público a apostarle cómo vería esta ciudad dentro de su misma experiencia, en qué parte de la ciudad se ubicaría, sería sólo un testigo o un agente activo.

Esta peli me llegó también en El Ciclo de Rafa Puyana y se las recomiendo completamente si tienen la oportunidad de verla.

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The Dark Knight Rises

Aunque en la red han ido a apareciendo falsos «featurettes», «teasers» y «trailers» de The Dark Knight Rises de Christopher Nolan aparentemente esta semana aparecieron dos que son bastante creíbles por el repositorio de imágenes y secuencias reales filmadas. Uno de ellos al parecer es sacado de la premiere de Harry Potter y hasta ahora es el más creíble.

Les dejo a ustedes el placer de explorar la historia que podría estar exhibida en la finalización de esta saga y ojalá se emocionen tanto como yo cuando lo vi por primera vez.

Christian Bale (Bruce Wayne / Batman)
Anne Hathaway (Selina Kyle / Catwoman)
Joseph Gordon-Levitt (John Blake)
Tom Hardy (Bane)
Gary Oldman (James Gordon)
Marion Cotillard (Miranda Tate)
Morgan Freeman (Lucius Fox)
Michael Caine (Alfred)
Josh Pence (Ra’s Al Ghul joven)
Matthew Modine (Nixon)
Nestor Carbonell (Mayor Anthony Garcia)
Liam Neeson (Ra’s al Ghul) – Aún es un rumor
Juno Temple (Holly Robinson) – Aún es un rumor
Aaron Eckhart (Harvey Dent) – Aún es un rumor

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