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Archive for August, 2013

La noche de las doces lunas

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La noche de las doces lunas es un documental sobre la tradición Wayúu de aislar a sus niñas ad portas a su primera menstruación en una casa donde sólo la pueden visitar sus madres o las mujeres más cercanas a ellas.

Pili es una niña Wayúu criada por su abuela porque su madre que vive en Maicao la abandonó a temprana edad. Pili va al colegio, hace sus deberes escolares y ayuda a su abuela. No puede negar su congoja frente al encierro que se le viene dentro de pocos días. Se le siente llena de ansiedad y su voz negando cualquier clase de miedo en vez de ser temeraria se la encuentra llena de dudas y fragilidad.

Mientras Pili va al colegio, los hombres de la aldea construyen un rancho, de un sólo cuarto al lado de la casa de su abuela. Postran las vigas de madera, arman un tramado de ramas y entre ellas ponen grumos de greda. Para finalizar la obra, colocan tejas de aluminio a dos aguas y empañetan las paredes con barro más húmedo.

Finalmente, Pili se despide de sus amigas del colegio en su último día como niña y en la mañana siguiente, cubriendo una manta y una pañoleta en su cara es llevada por su abuela hasta su nuevo hogar. Un rancho modesto que será su amparo por el tiempo que sea necesario hasta que le llegue su periodo y se convierta en majayut.

Hasta este momento, la narración, la temática y la fotografía que es hermosa hacen del documental una pieza increíble. Sin embargo la intromisión misma de la cámara en el recinto inviolable hace del espectador un voyeurista entrometido casi pornográfico. Se siente incluso rasgos de herejía o sacrilegio al observar al detalle y de la forma tan brusca este proceso que debe ser sacro y virginal. Me explico. El detalle fundamental del nuevo rancho, sin porche y casi sin ventanas, radica en que las niñas en estos encierros no pueden ser vistas o visitadas por hombres; durante meses, son alimentadas con una dieta básica de mazamorra y agua de jupiwa que es provista por su tutora, la mujer más cercana a la niña; ni siquiera otras mujeres pueden visitarla fácilmente, sólo se hace una excepción con su maestra para que no interrumpa sus labores escolares. De esta forma, las tomas de la niña recostada en el chinchorro, en vigilia tratando de conciliar el sueño o los tres baños que debe tener para mantenerse pulcra son innecesarios y de todas formas violento.

El contexto de la enseñanza del tejido, tanto crochet como de telar, las dietas, los vestidos y la rutina, son interesantes. Lo más destacado de la pieza, la cinematografía a cargo de Daniela Cajias, lo más reprochable la impertinencia durante el lapso de aislamiento. Hubiera preferido un poco más de audacia por parte de Priscilla Padilla, la directora del documental, para mostrar sin-mostrar lo inmostrable. Para mejorar, o incluso eliminar, el sonsonete del poema cantado sobre la niña querida infunde un tono melodramático inconmensurable.

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Documental 9.70

22/08/2013 1 comment

9-70

Victoria Solano es una heroína colombiana que está denunciando con su actividad periodística la tiranía alimentaria que el Tratado de Libre Comercio (firmado entre Colombia y Estados Unidos) nos está imponiendo y que va a destruir nuestros campesinos.

Hoy en día en nuestras calles, vemos a miles de campesinos de todos los puntos cardinales del interior de nuestro país, protestando por el atropello que significa el uso de semillas certificadas aprobadas por el ICA en la resolución 9.70. Con justa razón el campesinado se levanta a declarar inconstitucional, inseguro y violento lo declarado en la 9.70 pero no deberían hacerlo solos, las cifras son alarmantes y si no hacemos TODOS algo al respecto vamos a destruir nuestra fuente de sustento, nuestro patrimonio cultural y vamos a entregar nuestro país a Monsanto, Dupont y Syngenta, obtentores de semillas y primeros beneficiados con el acuerdo. Son ellos los autorizados porque han venido certificando sus productos transgénicos, tan sólo un ocho por ciento de semillas se han logrado registrar por parte de impulsos colombianos.

El documental se centra en los episodios ocurridos en Campoalegre, Huila, donde centenares de campesinos fueron despojados de su producto de arroz por operativos del ESMAD (Escuadrón Móvil Antidisturbios). Atacar a Campoalegre es un golpe de opinión fuerte, en una de las zonas más ricas y de los más altos estándares en producción de arroz del país. Las semillas certificadas por el ICA apenas se se comparan en calidad con las producidas en Campoalegre sin embargo son dos veces más baratas y más resistentes a las plagas porque tradicionalmente se han venido cuidando de generación en generación. Los campesinos y los secadores de semillas de arroz en Campoalegre fueron tratados como delincuentes, criminales organizados, y su arroz fue depositado, luego enterrado en un relleno sanitario de Neiva, lo cual causó dolor en sus fabricantes así como en sus defensores porque al final es un crimen de lesa humanidad quitarle la comida a alguien para botarla o destruirla. Es una canallada realmente desproporcionada. 1590 sacos de arroz destruidos, avaluados cada uno en promedio de 40 dólares, es liquidar esta zona productiva del país al dejarles pérdidas cercanas a los 127 millones de pesos.

Pero el quid aunque es grave a nivel financiero para el país sigue siendo un problema más fuerte conceptualmente. Por un lado el paquete de semillas certificadas sólo puede usarse una vez; cada vez que el agricultor las compre debe sembrarlas todas y no podrá almacenarlas para futuras siembras. Esas semillas dependen específicamente de un paquete de nutrientes, abonos y pesticidas que al exigir su tratamiento se plantea siniestramente un monopolio donde el afectado por cualquier lado es el pequeño productor; tanto indígenas y campesinos empiezan a obrar ilegalmente cuando, acostumbrados tradicionalmente por generaciones, guardan sus mejores semillas y tratan sus productos como lo han venido haciendo toda su vida, primero porque está por fuera del tratamiento especificado y segundo porque las semillas de las multinacionales no funcionan con esos procesos; y si a eso se le suma que las multinacionales a pesar de que invierten millonarias cantidades de dinero en la determinación de una semilla contra una peste y estudios de germinación no son capaces de garantizar siembras dentro de los parámetros que ellos mismos establecen, en realidad, lo que se genera es una gran estafa patrocinada por el gobierno y sus legisladores.

El problema en este momento no es decir que no estamos eligiendo bien a nuestros gobernantes. Eso es obvio. El problema no es echarles la culpa a los que lo hicieron o a los que lo permitimos. El problema es que debemos actuar ya. Hay un senador que está de parte de nosotros y está trabajando para que se frene este atropello y es Jorge Robledo; no digo que de aquí en adelante traguemos entero y hagamos todo lo que él diga pero si sería bueno escucharlo, entenderlo y apoyarlo. Por otro lado, Victoria Solano y Marco Cartolano (directora y productor de este documental) buscan el apoyo mediático para la dispersión y propagación de este documental.

A continuación les comparto. El documental completo para que lo vean y la dirección web desde donde se puede ayudar a patrocinar el proyecto. Es un mínimo apoyo que sube la moral de los que en serio se están enfrentando al problema. Por nuestro lado debemos revisar muy bien quién nos está proveyendo nuestros alimentos en nuestros platos para saber a quién debemos apoyar, por quién tenemos que levantarnos y protestar.

Apoyen el proyecto de Victoria Solano en esta dirección: http://idea.me/proyectos/9162/documental970
Yo ya lo hice y me convertí en su productor ejecutivo 🙂

Elmore Leonard (1925-2013)

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Ayer murió el novelista y gran guionista Elmore Leonard a la edad de 87 años. Leonard desarrolló en principio muchas historias de vaqueros pero luego se especializó en novelas policiacas y thrillers de suspenso. Entre sus obras más conocidas encontramos Get Shorty, Out of Sight, Mr. Majestyk y Rum Punch (adaptada luego para la peli Jackie Brown). También sus cuentos se volvieron filmes como 3:10 to Yuma, The Tall T o la serie de TV Justified.

Leonard tenía una gran picardía para enredar sus historias así como la gran capacidad de adaptar el suspenso de las historias de vaqueros a criminales más contemporáneos. Una gran pérdida para el cine sin duda.

Tiny Furniture

16/08/2013 2 comments

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Anoche por fin pude verme en Netflix Tiny Furniture de la talentosa y recientemente muy en boga Lena Dunham. Desafortunadamente para la cinta, primero vi Girls y Nobody Walks. Girls es la serie de TV que Dunham protagoniza, escribe y a veces dirige en HBO mientras Nobody Walks es la primera pieza de Dunham que le conozco en donde sólo participa del guión. Afirmo desafortunadamente porque al igual que Nobody Walks, Tiny Furniture parece ser más de lo mismo de la joven escritora, aburrido y sin poca gracia.

Aura (Lena Dunham) es una estudiante de cinematografía que recién se gradúa y regresa a Nueva York para tratar de encontrar dirección en su vida. Llega al lujoso estudio de su madre (Laurie Simmons) que es una reconocida artista-fotógrafa y le pide ayuda mientras logra establecerse. En el estudio comparte ambiente con su hermana (Grace Dunham) y la asistente personal de su madre (Rachel Howe). La vida alrededor de Aura se desenvuelve con las relaciones de su amiga de toda la vida Charlotte (Jemima Kirke), un panfletario video-bloguero de Chicago (Alex Karpovsky) y un joven apuesto cocinero (David Call) que conoce en su primer trabajo como recepcionista de un popular restaurante.

El éxito de Dunham es traer a colación, la jerga más fresca de Nueva York, sus tendencias creativas y cotidianas, y su personaje principal; una mujer desinhibida, abierta sexualmente, frustrada en su desarrollo profesional, honesta con su posición de mujer liberal y errática, pero sobre todo errática. Gracias a este esquema se logran un par de sonrisas en la peli pero el resultado es tedioso. Un capítulo calcado de Girls, con los mismos personajes sin embargo alargado tres veces.

Revisando la reiteración de los desatinos de Dunham en sus proyectos independientes, más parece que el éxito de Girls es la genialidad de Judd Apatow que vió el proyecto de Tiny Furniture, le pareció interesante y lo volvió una serie de TV con una duración de 30 minutos. Ahí está la quid. Dunham más allá de su popularidad no propone nada nuevo y sus personajes no tienen desarrollo por fuera de su epónimo universo de amigos.

The Place Beyond the Pines

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Pocas veces uno tiene la posibilidad de encontrarse con una obra maestra, pero cuando lo hacemos permanecemos en un estado de éxtasis por un tiempo mientras logramos digerirla, no completa sino perfectamente. The Place Beyond the Pines es una de esas piezas donde al final nos quedamos perplejos encadenando ideas y sorteando pensamientos.

The Place Beyond the Pines es el tercer largometraje de Derek Cianfrance, posterior a Blue Valentine, donde repite como protagonista Ryan Gosling. Pero esta pieza lejos de ser un orgía de buenas actuaciones con un reparto increíble, lejos de tener un excelente acompañamiento musical con la composición original e impecable de Mike Patton o de poseer una fotografía increíble gracias a Sean Bobbitt -director de fotografía de planta de Steve McQueen-, es excelente como propuesta narrativa.

Cianfrance, en Blue Valentine, nos acostumbró a un recuento de retrospectivas que poco a poco iban armando el gran panorama del melodrama de sus protagonistas. En esta ocasión, la trama se extiende a tres capítulos -no tres actos-, cada uno con su planteamiento, su nudo y su desenlace; cada una de estas historias puede analizarse como un cuento dentro de la obra o estudiarse dentro del corpus completo, ya que cada una de ellas resulta en la siguiente como su inicio gracias a un genial difuminado en la narración. La narración es lineal, con cierto tono coral, y entrelaza los tres relatos dejándonos sin aliento en cada uno de sus finales. La tensión, sin embargo, como un buen ají resaltando los sabores de un plato, se va acumulando a medida que avanza la pieza y, después de casi dos horas y media, nos cede un profundo dolor en el corazón muy similar al que vivimos con Blue Valentine.

The Place Beyond the Pines nos habla de cuatro hombres que tratan de resolver su destino de la forma en que les sea posible. El primer hombre es Luke, interpretado por Ryan Gosling, presentado como un gran ídolo de feria gracias a su atractivo y sus altas capacidades encima de la motocicleta; el plano secuencia de su introducción es un gran aperitivo, un bocatto di cardinale, y nos prepara para el gran festín que se nos presenta. Al final de su acto lo espera Romina, encarnada por una sencilla Eva Mendes, que le recuerda el pasado que tuvo con ella. Por un movimiento que no prevé Romina, Luke va a su casa a buscarla y se topa con su hijo, el cual cambia todo su panorama y su convicción de ser un errante de feria. Las cosas no le serán fáciles porque tratando de hacer las cosas bien, Luke se mezcla con Ben Mendelsohn, que esta vez interpreta a un humilde mecánico que lo seduce a robar bancos y así poder costear la manutención de su hijo.

El segundo hombre es Avery, Avery Cross, con una de las mejores interpretaciones de Bradley Cooper que le hemos visto -recordemos que su desempeño me pareció el lunar de Silver Linings Playbook-. Avery es un agente de policía, es obvio que la forma de unir su historia con la de Luke es que lo persigue pero la forma en qué se conectan es realmente inesperada. Avery vive su propio vía crucis, siendo un policía raso e hijo de un respetado juez poco a poco la corrupción de sus colegas lo empieza a oprimir, lo empieza a cubrir, tanto que la asfixia es palpable y la tensión inconmensurable.

El tercer capítulo abriga el desarrollo de los últimos dos hombres. A manera casi de epílogo, quince años después, Emory Cohen y Dane DeHaan personifican los hijos de Avery y Luke, respectivamente. Se topan en la secundaria de Schenectady y sin conocerse en absoluto, cada uno con sus problemas encima, se presentan y establecen los fundamentos una incipiente y prematura amistad. Sus disfuncionalidades los llevan a cometer errores, que de formas independientes los ayudan a entender a cada uno de sus padres. Son ellos los encargados de darle redondez a la pieza y con una senda actuación de DeHaan obtenemos el fin a la obra que tanto ansiamos durante horas.

Harris Yulin, Bruce Greenwood, Ray Liotta, Rose Byrne, la misma Eva Mendes y Mahershala Ali son colaboradores también en este cierre, y sus apariciones intempestivas son extraordinarias, pero lo más interesante se hace evidente con el nombre de la pieza. «El lugar más allá de los pinos» parece delimitar un lugar específico donde cada uno de los protagonistas se adentra para perderse en el laberinto de su espesura. Es allí donde se desvían sus intenciones o donde son absorbidos sus principios; huir de ese espacio no es de cobardes, al contrario, es de valientes que logran enderezar su destino o de temerarios que como Mendelsohn encontraron allí su única forma de supervivencia. En el tercer capítulo, no parece tan evidente este “lugar” pero me topé con que Schenectady que en lengua Mohawk significa precisamente eso The Place Beyond the Pines; así que el desenlace de los hijos se hace dentro de lo más profundo del bosque, allá donde cada uno está perdido y donde cada uno trata de salvarse.

Reconozco que Blue Valentine me generó poco interés por el trabajo de Cianfrance pero soy el primero, gratamente sorprendido por la agudeza de su obra posterior. Le deseamos la mejor de las suertes en la temporada de premios al final de este año.

Spring Breakers

12/08/2013 6 comments

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A simple vista Spring Breakers es una peli vaga, frívola y de un desarrollo pobre. Cuatro jovencitas (Selena Gomez, Vanessa Hudgens, Ashley Benson, Rachel Korine) de universidad están desesperadas porque el campus está ya vacío y todo el mundo disfruta de esta pausa que se da a finales de marzo, cuando se le da la bienvenida a la primavera y se despide del frío, el aburrido inicio del año y todo lo que implica para un ser humano el invierno. Estas jovencitas han venido planeando un viaje al sur de la Florida, a las playas de Saint Pete, desde hace un año y no permitirán que nada se interponga entre ellas y su sueño; no sus mamás, no sus tutores, no sus clases, no sus otras amigas y no ni siquiera la falta de presupuesto. Ellas viajarán y vivirán sus vidas al máximo en estas playas.

Los excesos típicos de estos lugares han sido divulgados y documentados en muchos especiales de Spring Break en MTV, VH1, o en Wild On de E!. Nuestra perspectiva es que estos gringos locos y decadentes llegan botando la casa por la ventana y se olvidan de todo en segundos. La diversión que se describe es alrededor de alcohol, gritos frenéticos de euforia, playa, mar, cuerpos esculturales y, repito, mucha decadencia. Cuando Harmony Korine se pone al frente del relato toma cuatro dulces niñas -dos de ellas de Disney– y las pone a plena luz del día en situaciones de mundanal ruido, drogas, sexo y alcohol. Su narración es exquisitamente estridente y para ello su complemento perfecto es Cliff Martinez (Drive), quien es capaz de juntar musicalmente a Ellie Goulding con Skrillex y lograr elocuentemente el contraste perfecto de distorsión en el que estas niñas se encuentran. Su sonrisa se acaba cuando sus excesos levantan sospechas en la policía local y son juzgadas por ello. Son de nuevo confinadas y se les pone una fianza. Sólo una de ellas, antes de salir de la cárcel, es capaz de recapacitar sobre los hechos. Aparece estoicamente James Franco, en una de sus transformaciones más profundas, para salvarle el pescuezo a estas cuatro jovencitas. Franco interpreta a Alien, un rapero gángster que al parecer nació en aquel lugar, entre narcotráfico, excesos y aspiracionales. Su influencia y su patrocinio detona otras perversiones en las niñas que las llevarán a otros nuevos límites.

Harmony Korine, de quien ya conocemos Gummo, tiene una visión retorcida del mundo y eso lo hace increíblemente especial. Nacido en California, su infancia fue de «skaters», drogadictos de cocaína y ácidos. Korine que junto a Mike Mills (Beginners) son cinematográfos que caben dentro de la clasificación de «Beautiful Loosers». Este grupo de artistas, ilustradores y cineastas son producto de una generación de jóvenes apáticos y negligentes que fueron encontrando su destino en el día a día de sus vidas. Es difícil, no tener un prejuicio de ellos o sus productos, pero sin mucho esfuerzo y sin metas reales, se dedicaron a pendejear y pasar el rato; en el mientras tanto se hicieron famosos. Su afección por el primitivismo, lo ingenuo y lo naif, los llevó a destacarse como artistas en cada uno de sus campos. Korine por su lado tiene una narración agresiva y ácida en sus largos combinado con una perspectiva retorcida y pop (no como algo popular sino como con la explotación de los ídolos populares).

El trabajo de Korine, es diferente al «camp» de John Waters que finalmente si es muy plano y con una apología directa a lo grotesco, casi sin sentido. En Spring Breakers le damos vuelta a una road-movie donde estas niñas encuentran cada una su doppelgänger y deciden qué aprenden de él. La forma en cómo repite o cómo nos pone a interactuar Korine con sus personajes versus sus moralejas personales a lo largo de la cinta, gracias a la edición de Douglas Crise, nos permite elucubrar que por una lado entendieron lo bueno y por el otro amaron lo malo. Desconocemos su desenlace en un genial final abierto.

Nunca he podido salir de ver una peli de Harmony Korine (escritor de Kids, Gummo, Spring Breakers) y decidir con convicción si fue buena o mala. Siempre quedo patinado un buen tiempo para después definitivamente quedar con el regusto de algo exquisito, por su estética, por su narración, por su crítica subversiva y contestataria. En Spring Breakers, aparte de la excelente composición musical y la edición, sobresale el desempeño de James Franco como un gran monstruo, un personaje oscuro que infunde miedo con tan sólo observarlo. Ojalá logre los respectivos reconocimientos y pueda alcanzar nominaciones en los Spirit o los Oscar del próximo año.

Gracias a Franco, Martinez, Crise y Korine esta peli vale la pena verla en cine. Una muy grata sorpresa de nuestra cartelera comercial.

Now You See Me

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Now You See Me no es nada diferente a una peli de explotación que busca entretenimiento puro. Punto. Lo mejor que uno puede hacer con esta cinta es relajarse y verla un domingo en la tarde, porque definitivamente no vale la pena verla en cine.

Parte del desencanto es que la fuerza antagónica de la pieza recae sobre Jesse Eisenberg que no sólo se repite en su eterno papel de nerdo súper dotado, inseguro y poco extrovertido. No importa que le cambien el peinado, lo vistan mejor, o le dejen crecer su incipiente barba, su pico de actuación fue The Social Network y su incapacidad histriónica de superarlo es profundamente molesta.

Pero supongamos que nos relajamos y podemos disfrutar la peli a pesar de Eisenberg; Woody Harrelson cae muy bien, es simpático y navega muy bien la trama; Mark Ruffalo, Isla Fisher, Michael Caine y hasta Morgan Freeman hacen lo propio y sin mucho esfuerzo, un tanto encasillados, pero suben el nivel de esparcimiento; por su lado, Mélanie Laurent, Dave Franco, Michael Kelly y Lonnie Rashid Lynn, Jr. (conocido como Common o Common Sense) ofrecen el mismo desempeño que Eisenberg, es justo cuando se nota la profunda inconsistencia en la dirección del reparto y ya nada parece creíble. Si le sumamos que el equipo de escritura es liderado por un mercenario como Boaz Yakin (Safe), un guionista muy promedio como Ed Solomon y un primerizo como Edward Ricourt la situación se torna crudísima. Todo recae en Louis Leterrier, su director, que poco o nada aporta o en los productores Alex Kurtzman y Roberto Orci escritores veteranos de Bad Robot que se han vuelto modelos de la narración enredada, desorientadora y agobiante de esta casa productora. Explicarlo es sencillo.

No hay que negarlo, la presentación de los cuatro jinetes (Eisenberg, Harrelson, Fisher y Franco), es interesante, atractiva y de mucho impacto. La trama se desarrolla en la conjunción de estos cuatro magos que sinérgicamente pueden ser más que la suma de sus capacidades. Se alían para desarrollar una conspiración y armar tres actos de magia impresionantes, capaces de robarle el aliento a la humanidad, en busca de devolverle a la magia misma, su connotación más pura y fantástica. Suena bien. El problema es que los giros y giros que desarrolla la trama durante toda la cinta son asfixiantes, tanto, que a la mitad de la peli, el interés cae justamente con el ritmo de la narración y después no hay nadie que la salve del bodrio en que se transforma. No importan los personajes, el mapa de relaciones, los vacíos o las posibles salidas del nudo. Todo es aburrido y su forma de terminarlo es evocando aún más clichés y barrabasadas.

Un gran desatino de Lionsgate que por lo menos a nivel mundial logró recuperar su inversión y que en Colombia mantiene llenas las salas de cine 😕

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