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Archive for October, 2012

Frankenweenie

31/10/2012 6 comments

Por más que lo intente, siempre digo que no vuelvo a ver una peli de Burton en sala pero por algún tipo de morbosa obsesión o algún tipo de juego del destino siempre termino en primera fila en una de ellas.

Desde un buen tiempo atrás he venido desconfiando del criterio del realizador y su genialidad se me ha vuelto una fórmula, una figura iconoclasta que no propone o más bien ya no se disfruta. En Corpse Bride, por fin logró hacer un proyecto completo en stop-motion pero se sentía monótono y repetitivo -recordemos que Nightmare Before Christmas erróneamente se le atribuye pero en realidad fue dirigida por Henry Selick y producida por Burton porque en algo de clarividencia se sintió limitado para desarrollar todo el proyecto él solo-. Después vino Sweeny Todd que a pesar de la animadversión que siento frente a los musicales logró entretenerme y cautivarme; Johnny Depp se volvía una figura recurrente como su actor fetiche pero por lo mismo dejaba un regusto de obstinación así el desempeño de Depp fuera siempre destacado. Alice fue el colmo, terminó por hastiarme y convencerme de qué en adelante sólo habría chispazos de lo que alguna vez fue un gran director de cine como por ejemplo Dark Shadows.

Pero de nuevo por azares que uno no comprende la semana pasada vi Frankenweenie.

En los inicios del director hubo dos piezas fundamentales que definieron su estilo: Vincent que fue su “tesis” como animador de Disney con una excelente y exquisita narración del legendario Vincent Price y Frankenweenie filmado en 1984 guía las orientaciones de su gusto por la serie B, la ciencia ficción y que vemos magistralmente reflejado en dos de sus piezas más grandiosas Mars Attack y Ed Wood.

Con una convicción firme de hacer los proyectos que más le gustan, le gusta trabajar con sus esposas, con Johnny Depp, con leyendas del cine como Vincent Price, Martin Landau y Christopher Lee. En Frankenweenie aunque no aparece ni Helena Bonham Carter ni Depp, vuelven al reparto Catherine O’Hara, Winona Ryder y Martin Landau, con referencias a Lee -en la cinta de terror que estaba viendo la familia- y a Price -en los rasgos del personaje de Mr. Rzykruski-. La historia es retomada del corto de 1984 y ampliada para incluir más personajes. La gran diferencia -obviamente la técnica- y la inclusión de la partitura original de Danny Elfman que es fantástica.

La pieza es de buena factura, está bien narrada y para mi positiva sorpresa muy divertida.
Les dejo las referencias originales:

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360

29/10/2012 7 comments

A veces es muy complicado seguirle la pista a todos los directores que a uno le parecen interesantes. Por diversas razones, se van quedando en un momento de la vida, de pronto con una peli en particular y no volvemos a escuchar de ellos. Fernando Meirelles es el caso más reciente que puedo nombrar. A pesar de haber entrado a la industria independiente del Reino Unido su proceso no es muy nombrado en titulares obviamente porque su perfil es bajo por el mismo carácter alternativo que produce así sus repartos sean de primera línea. Pero la verdad es que tampoco es un realizador que esté buscando figurar y sus proyectos son escogidos con pinzas. El cierre de su ópera prima fue precisamente con la peli que nos ayudó a conocerlo internacionalmente, Cidade de Deus; un baldado de frescura, originalidad y una narración súper destacable que lo hubiera podido catapultar poderosamente en Hollywood pero que con calma decidió otra opción menos alienante. Vino The Constant Gardener, con Rachel Weisz, Ralph Fiennes y Danny Huston, y era definitivamente un salto diametralmente opuesto en una lucha del director en la industria británica tratando de ser independiente con una historia bastante contestaria y que a la postre lo dejó con tres nominaciones al Oscar y a la Weisz con su primera estatuilla dorada como mejor actriz. Su última peli Blindness fue un gran homenaje post mortem al escritor de habla portuguesa José Saramago y a su novela Ensayo sobre la ceguera con un reparto más «hollywoodense», de la cual podría decir que fue no fue tan inesperada pero es que el autor y esa novela en particular me encantaban por lo que apenas supe de su producción estuve muy pendiente.

Hace una semana estrenaron 360, no reconocí el afiche donde figuraban Anthony Hopkins, Rachel Weisz y Jude Law. Tenía una pinta de historia sensiblera y aburrida pero menos mal me atreví a ver el corto-avance. No sólo me interesó la trama sino que al final el crédito del director apareció y dije no me la puedo perder. Este fin de semana muy juicioso me dispuse a verla y no falla, es otra vez una gran peli.

Una historia que es tan amplia -como su nombre lo indica- como el espectro en un rango de 360 grados, no tiene protagonistas claros, así el afiche en su función mercantilista nos muestre sólo a las grandes estrellas. Hopkins, Weisz y Law sólo son tan importantes como Lucia Siposová, Gabriela Marcinkova, Johannes Krisch, Moritz Bleibtreu, Jamel Debbouze, Dinara Drukarova, Vladimir Vdovichenkov, Maria Flor o Ben Foster -por eso de alguna forma, escogí este afiche donde ya no son tan claras las caras de los actores reconocidos-. Cada historia es fundamental y es excitante como cada una de ellas, primero se va dispersando pero luego va encajando perfectamente en un vasto rompecabezas que hace poco probable predecir el final de la(s) historia(s). La gran capacidad de Meirelles se define en tres grandes potencias; la primera, es que es un gran contador de historias, nos narra por lo menos diez relatos y estamos fascinados con cada uno de ellos; segundo, su gran dirección de actores, tanto las estrellas como el resto del reparto aporto frecura, experiencia, drama, elocuencia, originalidad y sobre todo visceralidad, nadie se sobrepasó, nadie se sintió repetido, nadie se sintió cojo en su desempeño, un gran despliegue de actuación que al final sólo hacen muy consistente la pieza; finalmente, Meirelles es un gran arquitecto. Muy parecido a Paris je t’aime o New York, I Love You, 360 es un mosaico de historias y personajes que definen una sensación de proximidad entre los seres humanos y como en nuestros caminos a veces se nos presentan bifurcaciones o desvíos que definen un nuevo destino. La gran diferencia con estas dos piezas (Paris je t’aime, New York, I Love You), es que no es un pelotón de directores los responsables detrás de la peli, es Meirelles solito, concentrado, enfocado y muy riguroso en su narración. Si además de eso se le suma un gran sentido de musicalidad, una cinematografía llena de tomas audaces a cargo de Adriano Goldman y un montaje impecable a cargo de su gran aliado Daniel Rezende, 360 es una peli imperdible.

En la contemporaneidad del cine independiente, se ha vuelto costumbre, o mejor, tema de mucho interés las historias corales. Digamos que es una forma del posmodernismo que tuvo sus orígenes en la literatura pero ha encontrado un nicho importante en la industria del cine. Su exponente más sonoro es Alejandro González Iñárritu (Amores perros, 21 grams, Biutiful) pero también Guillermo Arriaga (The Burning Plain), Rodrigo García Barcha (Mother and Child), Carlos Sorín (Historias mínimas), Denis Villeneuve (Incendies), el mismísimo Steven Soderbergh con Contagion y muchos más que se me escapan en esta larga lista de piezas pertenecientes al género. En la universidad la pieza que expresaba de mejor forma el posmodernismo era In weiter Ferne, so nah! (¡Tan lejos, tan cerca!) de Wim Wenders también con un estilo coral y con una mezcla natural de léxicos que la hacían, sí babilónica, pero también universal. Para mi 360 es un gran ejemplo de posmodernidad muy bien elaborada y sin el plasticismo iconoclasta en el que autores como González Iñárritu han caído sin mayores reparos.

Argo

23/10/2012 23 comments

Argo es la última producción de Ben Affleck y créanme fuerte favorita para varios premios importantes a principios del próximo año. No sería raro verla rondando las categorías de mejor guión adaptado, cinematografía, diseño de producción, dirección e incluso mejor actor principal. La historia otorga un grado de madurez al joven director que se ve desde el manejo y dirección de cada uno de sus personajes hasta cada una de sus batallas personales que casi se vuelven grandes capítulos durante la peli.

El tono de la fotografía de Rodrigo Prieto (Biutiful, Brokeback Mountain, Los abrazos rotos) y la dirección de reparto de Lora Kennedy pasando por el diseño de producción de Sharon Seymour logran enmarcar una historia con una fidelidad absoluta a cada uno de los referentes del archivo que fue sacado a la luz por Bill Clinton para poder hacer pública la gestión heroica de Tony Mendez. Es realmente impresionante y loable como cada una de las tomas estaba basado en una fotografía, en un archivo o un nombre específico -el compromiso de Affleck con Warner Brothers es que está interesado sólo en proyectos donde él pueda actuar y dirigir, y digamos que por lo mismo él es el único que no tuvo que pasar el filtro de reparto donde él es el único que no se parece tanto a su referente histórico; un Jeffrey Wright hubiera funcionado mil veces mejor fisionómicamente-.

Mendez, interpretado por Affleck, es un agente de la CIA durante el climax de La Guerra Fría que se especializó en extraer testigos, norteamericanos o agentes de importante valor en posiciones estratégicas, en lugares donde la situación estaba álgida o el estatu quo se derrumbaba. Por mi parte, entro en conflicto con la trama de la cinta que es una oda a este tipo de intervenciones ilegales de los Estados Unidos en países cuyos intereses se ven afectados. Digamos que aquí están tratando de liberar a seis personas “inocentes” de una horda que es ciega, irascible, sorda y estridente. Pero que no se nos olviden las demás, las ignominiosas, las horribles, las apestosas, las de Chile, Argentina, o Timor Oriental. Si podemos de algnua forma apartarnos de esa situación política y trivializar un poco el transfondo de la peli podemos llegar a disfrutarla mucho. No hay un segundo en la trama donde el ritmo se caiga, no hay un momento en la historia donde no estemos aferrados a nuestras sillas sufriendo con cada uno de los personajes, no hay un sólo momento de la peli que uno pueda predecir a menos claro que haya conocido de antemano el incidente. La cinta es hermosa y consistente en muchos sentidos. Me encanta que Affleck gracias a Warner se haya unido a Grant Heslov y George Clooney que como productores se deleitan haciendo piezas independientes y un poco contestarias. Seguramente, si esta relación es fructífera y se desarrolla con buenas taquillas, el futuro de este actor-escritor-director será mucho más que deslumbrante.

Buffalo ’66

18/10/2012 1 comment

Recordando Tetro, me topé con Buffalo ’66 una cinta que vi en Netflix este año y que aún no logra gustarme del todo. Digo que “…recordando Tetro…” porque en esta pieza también está involucrado Vincent Gallo como protagonista sin embargo aquí se arriesga incluso a dirigir, a escribir y a componer.

Buffalo ’66 cuenta la historia de Billy Brown (Gallo), un hombre de mediana edad que acaba de salir de la cárcel pagando por un crimen que no cometió. La desubicación en el mundo real lo lleva a tomar decisiones muy torpes que terminan en el secuestro de Layla, interpretada por Cristina Ricci quien es forzada a conducir su auto hasta la casa de los padres de Billy (Anjelica Huston y Ben Gazzara).

Hasta aquí la historia es medianamente creíble, Layla se presta en esta trama porque para este entonces entendemos se siente atraída a Billy y se conmueve por el ambiente disfuncional en el que tuvo que desarrollarse. Poco a poco se va volviendo su aliada para exorcizar sus demonios, combatir su depresión y emprender su venganza contra el hombre que lo puso en prisión.

De la peli se puede decir que siendo la ópera prima de Gallo es un buen producto. La crítica lo alaba en términos de genio pero dichas genialidades del realizador apenas son pequeños experimentos potenciados por su personalidad pretenciosa y petulante que fueron bien vendidos en los circuitos independientes -después de haber trabajado con él, la Ricci dijo que no volvería a trabajar con el director por su tosca forma de dirigir y la grosera forma de referirse a las personas-. El ritmo narrativo es pobre y algunos personajes son muy dispersos. El reparto lo redondea Mickey Rourke, Rosanna Arquette y un sorprendente Kevin Corrigan que estuvo muy bien dispuesto en el desarrollo de la trama sin dejarse sobreactuar. El resto de actores parecían tener unas pequeñas guías del director pero más bien fueron libres de interpretar sus personajes a su propio criterio lo cual podría afirmar que la dirección actoral de Gallo fue más teatral que cinematográfica.

Estaba muy intrigado por esta cinta y por Brown Bunny pero la verdad quedé muy desilusionado. No estoy motivado a ver más proyectos del director así sus reconocimientos en Sundance y Cannes me indiquen lo contrario.

Looper

16/10/2012 14 comments

Looper es una de esas cintas que llega con unas expectativas clarísimas y las colma perfectamente. Una excelente narrativa con dos temas complicadísimos (A) una peli de ciencia ficción y (B) viajes en el tiempo. El responsable de semejante osadía Rian Johnson, un realizador que recordamos por The Brothers Bloom y que precisamente por esa peli es que logramos investigar un poco más y descubrir que es un gran contador de historias, que Brick fue su primera cinta, que fue un proyecto independiente, que la crítica la adoró y que gracias a ella y al éxito de su segunda se le permitió involucrarse en esta mediana producción apoyándose de nuevo en Joseph Gordon-Levitt -el hombre más popular del momento en Hollywood-. Looper es la muestra fehaciente que su excelente creatividad aún no ha encontrado límites y que apenas cierra su ópera prima. Si esto es lo bueno, no tenemos palabras para definir como esperamos lo que está por venir.

Joseph Gordon-Levitt interpreta a Joe un asesino a sueldo que religiosamente mata a sus encargos del futuro silenciosamente en las afueras de una ciudad de 2044. Su profesión se conoce como «cerrador de ciclos» es decir que ayuda a que en el futuro sus jefes no deban preocuparse por un fulano o su cuerpo, a cambio recibe un pago en lingotes de plata aferrado a las espaldas de sus víctimas que tienen sus caras tapadas. Sin embargo de vez en cuando a cada uno de estos «cerradores de ciclos» les llega su licenciamiento y deben matarse a ellos mismos del futuro, por lo cual reciben su último pago en oro en un proceso que se llama «fin del ciclo», el trabajador recibe esta paga, sus ahorros en plata y se dispone a vivir 30 años de vacaciones mientras sus jefes deciden eliminarlo. Es un trato justo y deciden aceptarlo de vez en vez. El problema es cuando los ciclos quedan “abiertos” y el asesino no mata su encargo. Se crea una cacería para buscar al responsable y el mismo encargo los cuales deben eliminarse al mismo tiempo.

Un día Joe recibe un encargo que viene sin la cara tapada y se da cuenta que es él mismo pero viejo. Duda. Trastabillea. Lo deja escapar. Looper es la historia que debe corregir Joe del futuro interpretado por Bruce Willis para que no afecten su vida de la forma en que sucedió y la historia de Joe del presente que quiere ser leal a su trabajo y corregir que se le haya escapado su encargo.

De detalles finísimos y delicadamente hilados, Looper es una historia sin vacíos o incongruencias graves. Es la clarividencia de este director para traernos una historia de muchos giros, que podría tener muchas contradicciones narrativas -muchas de ellas genialmente fuera de cámara- y que al final es tan entretenida como Terminator I o 12 Monkeys pero al mismo tiempo es sorpresiva y aterrorizante como Scanners o The Omen. El 2044 no se siente como una «distopia» absurda, es más un futuro cercano a lo que podríamos acceder desde hoy en día, sin embargo es acertado en pequeñas apuestas como el yuan chino como moneda regular o los ahorros en plata y oro en bancos subversivos. Aunque la historia ronda las zonas marginales de esta ciudad del futuro y por lo mismo los avances en arquitectura no deberían ser tan obvios se alcanza a percibir muy sutilmente el cambio. Obviamente, una contradicción de estas zonas vulnerables es que de pronto no tengan cómo alimentarse, vivir o vestirse muy bien pero siempre habrá ciertos objetos que les llamarán la atención como los bafles de sonido, los carros o como en esta peli las motos flotantes con turbinas.

En los cortos, nunca se da una aproximación exacta a la historia de Emily Blunt -aquí tampoco lo haremos- es una variación de la línea de tiempo alterada que permite que la historia no sea plana y que tenga un final de cinco estrellas.

Esta va a ser una cinta que va a tener muchas repercusiones en los premios a principio del próximo año. No se si alcance a ser tan independiente como para que sea considerada en los Spirit pero seguramente si habrá nominaciones a mejor guión original, mejor maquillaje, mejor mezcla de sonido, de pronto mejor producción y mejor dirección en los Globo de Oro, los Oscar y de pronto algo de los BAFTA’s.

Bernardo Hoyos (1934 – 2012)

Ayer en la noche una noticia triste me fue anunciada por mi celu, el maestro Bernardo Hoyos había fallecido. El maestro Hoyos una eminencia en la cultura se caracterizaba por esa voz profunda llena de erudición y humildad en todos los temas que abarcaba. Siempre lo reconocí como un hombre que sabía mucho de cine y en varias ocasiones veía los programas que dirigía en Caracol con el título de cine arte para ponerme al día o para por lo menos saber qué le gustaba al maestro a nivel de cine.

Pero la cinematografía era apenas una leve capa de todo su conocimiento y saber. Este antioqueño hizo sus estudios de Derecho en la Universidad Pontificia Bolivariana. En 1959 obtuvo un Master en Derecho comparado en SMU de Dallas. Desde sus años de estudiante de Derecho se vinculó a la radio cultural, primero como locutor y después como Director de la Radio Bolivariana en Medellín, emisora fundada en 1948. En los años 60 realizó programas en la Radio Nacional y fue colaborador de la Cadena Caracol. Entre 1971 y 1979 dirige en Londres la edición en español de International Management. Entre 1982 y 1991 dirigió la división cultural de RTI y los programas de televisión Palco de Honor, Libros y Lectores y Esta Es Su Vida -programa que también hizo para la Señal Colombia-. De 1991 a 1999 fue Asesor Cultural de la Cadena Caracol en sus emisiones matinales. Presentaba con mucha elocuencia obras de corte clásico en la Emisora 106.9 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, era amante de la plástica, las audiovisuales y todo lo relacionado con el arte en general.

Hoy amanecimos con el corazón acongojado y con un vacío tenaz. Hoy amanecemos sin el maestro. Paz en su tumba.

Chimpanzee


Para los que vimos, y nos gustó, African Cats de la casa Disney Nature hay una gran sorpresa en cartelera comercial, en estos momentos. Alastair Fothergill nos trae de nuevo una increíble historia que raya en el drama pero que sigue siendo un gran documental de animales salvajes en lo más profundo de los paisajes africanos, esta vez acompañado de Mark Linfield.

El paraje es Uganda, Costa de Marfil y con la colaboración de Tim Allen como narrador este par de documentalistas nos traen la historia de Oscar en Chimpanzee. Oscar, es un pequeño chimpancé que vive con su grupo familiar recogiendo nueces y frutas o eventualmente cazando -no sabía que también eran carnívoros pero es una buena enseñanza que deja el documental. Su statu quo se ve amenazado por otro grupo de chimpancés que merodean sus territorios y quieren apoderarse del gran patio de las nueces, un manjar irresistible para cualquiera de estos animales. Al igual que en African Cats, la edición nos muestra una historia muy bien elaborada, con personajes sólidos, unos muy tiernos y otros antagónicos presentes fuertemente en el drama de dominio territorial. Sin embargo un nuevo protagonista aparece: La Selva.

En African Cats, las estepas dominaban los panoramas. La acción más común era el trote y la cámara en «tiempo de bala» era perfecta en la cacería de los felinos dentro las grandes manadas. El narrador era Samuel L. Jackson y su tono también encajaba perfectamente en el tono narrativo de acción pura. Aquí en Chimpanzee, los protagonistas están colgados en los árboles y el ambiente juguetón descolgándose de rama en rama es propicio para una música pintoresca llena de trombones, pianos, tambores y mucho swing. Esta vez el efecto predilecto por el par de cinematógrafos y el departamento de edición es el «paso del tiempo» que es una técnica de grabación donde se toman cuadros en lapsos mucho más largos que lo normal -por ejemplo un cuadro cada minuto- dando la sensación de aceleración de elementos imperceptibles a la observación ordinaria. De esta forma es que sentimos que La Selva se mueve, se acomoda, respira. Y dentro de esta selva estos chimpancés parecen incansables y muy felices. Tim Allen tiene un tono diferente a Jackson, acomoda chistes y es tan juguetón como ellos mismos, sin embargo, y es un gran aporte a este formato, el hecho de estar filmando chimpancés los hace muy cercanos a los humanos y en algunos momentos parecen estar actuando.

Los chimpancés son tiernos, son sociales, son agresivos y son jerárquicos. Con unas finas pinceladas del montaje, son también irascibles, vulnerables y temerosos de las tormentas. Casi que podemos decir que hay planteamientos psicológicos y desarrollos de personaje en la pieza de Fothergill y Linfield. Chimpanzee es un éxito entretenido del formato documental al que nos tiene acostumbrado Disney Nature.

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