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Archive for April, 2012

30:Minutes or Less

23/04/2012 2 comments

Por fin un papel donde Jesse Eisenberg no es un introvertido, frágil, torpe y ñoño, papel que se le siente repetido desde hace muchas pelis. Esta vez es gracias a Ruben Fleischer director de 30:Minutes or Less con quien también trabajó en Zombieland. Parece que tuviera estas interpretaciones tatuadas en la frente y su forma de desenvolverse frente a una cámara no fuera capaz de superar los límites de Adventureland, The Squid and the Whale, The Social Network o la misma Zombieland.

En esta cinta, Eisenberg interpreta a un repartidor de pizza, perspicaz, audaz y diestro en el volante. Tiene una novia hermosa lo cual lo hace inclusive galán exitoso con las mujeres. Es amigo de Aziz Ansari, Chet, un profesor de bachillerato de ascendencia india que lo quiere como un hermano y como tal tiene una relación disfuncional muy graciosa con él. Una noche Eisenberg es abducido por un par de patanes (Danny McBride, Nick Swardson) que lo fuerzan a vestir un apretado chaleco con explosivos detonable a control remoto con una llamada celular. Le exigen cien mil dólares y lo exhortan a que los consiga como bien lo pueda hacer. Eisenberg decide robar un banco acompañado de su amigo indio lo cual desencadena una serie de eventos muy graciosos y un humor desternillante con una balanceada carga racista por parte de Ansari.

Aunque es imposible no comparar y definir 30:Minutes or Less como una cinta menos afortunada que Zombieland, es entretenida, hilarante y con un adecuado desarrollo de la historia. Qué buen director resultó ser Fleischer quien se prepara para sus siguientes proyectos The Gangster Squad y la segunda parte de Zombieland.

30:Minutes or Less la están rotando en HBO por estos días.

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The Rum Diary

23/04/2012 2 comments

The Rum Diary es otra peli inspirada en el periodismo gonzo de Hunter S. Thompson y también es otra peli donde Johnny Depp interpreta a uno de sus personajes. En Fear and Loathing in Las Vegas dirigida por Terry Gilliam interpretó magistralmente al mismo Thompson experimentando un coctel de ácidos, narcóticos y alcohol en exceso en Las Vegas. En esta ocasión interpreta al Paul Kemp un periodista neoyorquino que llega a tierras puertorriqueñas a probar suerte y elaborar una hoja de vida que no sea una zarta de mentiras -obviamente es Hunter S. Thompson narrando en primera persona su aventura en Puerto Rico.

Alcohólico y tratándose de apartar del alcohol, Kemp se envuelve en las fauces de una tierra rica en el dulce placer de beber ron a cualquier hora y que le es ofrecido sin cesar. Se siente que la novela en la que se basó Bruce Robinson para hacer su cinta es muy buena. Los personajes todos son muy divertidos desde Richard Jenkins dirigiendo un desauciado diario que se dedica a publirreportajes completamente supervisados por sus patrocinadores hasta Giovanni Ribisi como el excéntrico borrachín adorador de Hitler y consumidor de filtros rebajados de Bacardi que se roba de la misma fábrica destiladora.

La peli, sin embargo, no es tan interesante y nos quedamos con un corto avance que disuelve todas sus promesas cinematográficas en un ritmo adormilante y los buenos momentos cargados de humor sencillo terminan por aburrir. Indudablemente las capacidades del maestro Gilliam rindieron mejores frutos y aunque The Rum Diary no es una peli mala al final no convence. Revisando por ahí, hay una peli que me quiero ver ya de Art Linson con Bill Murray en el rol de Thompson llamada Where the Buffalo Roam de los 80’s. Le echaré ojo.

The Debt

23/04/2012 1 comment

Al igual que todas las producciones donde aparece un gran reparto, The Debt de John Madden nos deja en deuda con su existencia. Hay pocas excepciones, pero generalmente grandes repartos son grandes reveses. Y es que uno esperaría que una cinta con Helen Mirren, Ciarán Hinds, Tom Wilikinson y Jessica Chastain sea algo más que sólo entretenimiento pero para disfrutar una peli de este calibre toca ir a salas con las expectativas bien bajas y enfrentarse simplemente a eso.

(No digo que valga la pena gastarle una boleta de cine pero puede ser que alguno crea conveniente o divertido pasar el tiempo de esa forma, yo lo hice y salí medio aburrido).

El reparto lo completa Sam Worthington y Marton Csokas para contar la historia de un escuadrón del Mossad reunido en Berlín oriental tras las huellas de un cirujano nazi (Jesper Christensen) que macabramente experimentaba con judíos en la Segunda Guerra Mundial. La peli es testigo de una mentira durante ese periodo guardada celosamente por Chastain, Worthington y Csokas durante toda su vida y cuenta además cómo los afectó hasta su madurez cuando dicho secreto los comienza a perseguir.

A pesar de las buenas actuaciones y de algunos momentos de tensión la cinta dirigida por Madden es predecible y un tamto lenta. Su final resulta ser interesante pero no lo suficiente para salvarla.

Pa negre


Pa negre de Agustí Villaronga es una peli importante para España, no sólo porque siendo española habla de La Guerra Civil Española (si nos sentamos a reflexionar son contadas con la mano las historias que hacen referencia al tema; Belle Epoque de Fernando Trueba, Vacas de Julio Medem o recientemente Balada Triste de Trompeta de Álex de la Iglesia; ni siquiera podemos contar El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro pues Del Toro es mexicano; por ahora puedo recordar estas tres, seguramente hay más pero en serio no muchas más, a tal punto que se ha convertido en un tema tabú por varios años y sólo ahora empieza a develarse en la inquietud artística de sus cineastas) también es importante porque es la primera cinta hablada completamente en catalán que concursa y es promovida por España para concursar por el Oscar. Le hicimos seguimiento durante ese periodo y tuvo bastantes posibilidades de llegar a los finalistas pero le faltó ese céntimo para el peso.

La peli arrasó en Los premios Gaudí con trece premios, dos nominaciones y prácticamente pasó lo mismo en Los Goya con nueve premios y cuatro nominaciones.

La historia está basada en la novela de Emili Teixidor y cuya adaptación realizó el mismo Villaronga. Un niño se topa con los cadáveres de un padre y un hijo para después enfrentar el escarnio público cuando su padre es acusado del asesinato. Tratando de ayudarle al papá a encontrar la verdad se hace consciente de la realidad de los adultos y de como las mentiras con las que se alimenta ese mundo son un contaminante letal incluso para la inocencia infantil que habita su colegio, su familia, su pueblo.

El final es fantástico y demuestra la indiferencia del pueblo español sobre los crímenes de la guerra y la posguerra proclamándose ella misma como un testimonio crítico de la realidad fílmica española que hablamos al principio de esta entrada. La tenía guardada hace rato porque la pasó Cinemax hace varios meses pero sólo hasta ahora tuve tiempo de verla. Si la vuelven a rotar aconsejo no dejarla pasar o por lo menos como hice yo, guardenla para buscar el momento adecuado para verla.

Apaporis

05/04/2012 3 comments

Pocas veces logro conmoverme tanto con un documental. Este en particular tenía un ritmo extraño pero su mensaje es contundente y al final a uno se le dobla el corazón. Y es que ver como hay mucha gente, entre ellos muchos colombianos pero sobre todo esos gringos locos que se transladan a vivir a las selvas durante años y años, y que se preocupan verdaderamente por el estado de nuestras selvas es muy emocionante. Lástima que nuestro país en guerra no nos permita a nosotros también transladarnos para allá a conocerlas pero también gracias porque de esa forma muchas de esas selvas se conservan vírgenes y en un estado de aislamiento saludable. Su estatu quo se ve sin embargo afectado por la tala indiscriminada de árboles y la siembra extensiva de coca, ya no para temas chamánicos sino para su comercialización como alcaloide. Hay una gran amenaza y la travesía de Antonio Dorado para reencontrarse con los Cabiyari y los Cubeo la devela crudamente.

Antonio Dorado es un profesor de la Universidad del Valle que se apasiona por el río Apaporis gracias al libro One River de Wade Davis, un alumno del también botánico Richard Evans Shultes. Es Shultes el verdadero eje de la historia porque es él quien logró adentrarse hasta los orígenes del río y vivió con los Cabiyari y los Cubeo durante más de diez años como si fuera uno más de ellos. El profesor Shultes logró catalogar trescientas nuevas especies de matas durante ese periodo que lo hicieron famoso (incluso hay una meseta con su nombre en el Vaupés) y fue gracias a sus vivencia y sus enseñanzas que muchos indígenas no se dejaron influenciar completamente por occidente para proteger sus lenguas y su entorno.

Digamos que la producción no es del todo excelente, se nota que fue realizada con bajo presupuesto y la calidad de la imagen no es necesariamente la mejor pero, y este es un gran pero, hay ocasiones en que uno puede cerrar los ojos y disfrutar tanto del sonido en vivo grabado por Mauricio Vergara que es excelente y maravillador cuando se combina con los ritos de los indígenas así como la música original compuesta por Alejandro Ramírez Rojas. De Alejandro conocemos ya su trabajo en Poker y La vida Era en serio pero creo que este es su mejor trabajo de lejos. Fue maravilloso el acompañamiento que hubo en los momentos de acción, en los de reflexión y de maravillamiento. La ayuda que le dió los Coros de la Universidad del Valle fue lo más impresionante de la pieza. Sentí momentos de pasión cuando la Filarmónica del Valle comenzaba su interpretación y los Coros sigilosamente entraban hasta que, llegado el punto, retumbaban poderosamente en la sala. Varias veces me pasaron escalofríos y fue emocionante.

Se acerca La Reina también de Dorado también con Alejandro componiendo. Esperemos a ver cómo les va en este nuevo proyecto. Por ahora, la audiencia está respondiendo muy bien y esta cinta aún se mantiene en salas. Agradezco mucho haberla podido ver en cine porque de otra forma no la hubiera podido disfrutar tanto como finalmente lo hice.

Extremely Loud & Incredibly Close

05/04/2012 4 comments

Lastimosamente me dejé influenciar por la prensa, más exactamente por la W Radio, porque se dijo que era un ladrillo e ingenuamente les creí. Por ese entonces estaban llegando todas las pelis de los premios y le di poca importancia. Digamos que el ritmo se alcanza a perder un poco cuando el director extiende innecesariamente la obra a un poco más de dos horas -fácilmente le pueden sobrar treinta o treinta y cinco minutos- pero es una gran pieza del querido director Stephen Daldry, quien otra vez toma un libro y lo adapta magníficamente a la pantalla -esta vez la excusa fue la novela de Jonathan Safran Foer quien ya nos había encantado con su Everything Is Illuminated-.

Me encanta que el tema central de la cinta son los eventos del 11 de septiembre pero no. Es inquietante, es audaz, es intensa y muy astuta. Mucho más que calificar, juzgar o inferir una sentencia, el realizador aborda la temática del terrorismo como una casualidad más y la explora como un factor importante en la psique de un niño que perdió su padre. Es importante saber cómo lo perdió pero no es lo fundamental ni en la cinta ni en la historia. Cuando Spike Lee hizo su 25th Hour el año siguiente a estos eventos, sentí algo de resentimiento, algo de inquietud pero nunca un homenaje sencillo, como esta peli, a la población neoyorquina y cómo estos eventos la afectaron profundamente -conozco personas que ni siquiera pueden acercarse a Tribeca o tocar el tema porque rompen en llanto-. Para alguien que viva en Nueva York esta es una cinta conmovedora, para alguien que guste de Nueva York va a disfrutar al máximo con el mapa que Daldry nos muestra en el imaginario de su pieza.

La pieza obtuvo dos nominaciones importantes en los Oscar (mejor peli y mejor actor de reparto para Max Von Sydow), al final, no ganó ninguno pero su protagonista, Thomas Horn, si consiguió mejor actor en los Broadcast Film Critics Association Awards y dos reconocimientos más en Phoenix.

La cinta al igual que Oskar, su protagonista, es maniática, desequilibrada, a veces un tanto torpe. Una metáfora directa del Sindrome de Asperger que aparentemente sufre este niño y que es una especie de autismo donde se ven involucrados la comunicación, la empatía con los otros y algo de torpeza física. La cinematografía de Chris Menges y el montaje de
Claire Simpson estuvieron muy bien y sumados al ingenio de Daldry se logra una sensualidad exquisita en la misión de este niño pero lo que realmente me encantó además de la pieza misma fue la partitura de Alexandre Desplat, injustamente poco reconocido -no reconocido en absoluto- en todos los círculos. Estridente, neurótica, bien orquestada, acompañante y gran complemento son las características de la producción de este gran maestro en la pieza.

Tomaba notas de la cinta mientras la observaba y mientras anotaba que “…la tensión del sexto mensaje me encantaba“, pensaba que estaba curado con este tipo de pelis. En muchas ocasiones, casi fijo, lloraba cuando había una relación disfuncional o chueca o truncada por algún factor entre un padre y un hijo (un claro ejemplo es Nuovo Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore con la tácita relación paternal entre Spaccafico y Salvatore que me hace chillar como quinceañera). Sin embargo, al final se descongelaron sendos lagrimones de cocodrilo, lloré hasta el sentimiento y me desahogué como hace rato no lo hacía.

The Iron Lady

03/04/2012 3 comments

Gran expectativa había sobre esta cinta donde Meryl Streep interpreta a Margaret Thatcher, La Dama de Hierro. Su desempeño es impecable, no hay duda de sus calidades como actriz y no tenía con quien competir en la categoría de mejor actriz en los Oscar de este año donde finalmente se quedó con una estatuilla que le venía siendo demasiado esquiva.

Margaret Thatcher se ganó este sobrenombre a pulso por ser una conservadora feroz dentro de una sociedad machista que no permitía escalar demasiado a las mujeres en el gobierno pero que fueron sumisos frente a sus ladridos cuando fue primer ministro durante once años, el periodo más largo ocupado por mandatario alguno en esta posición.

Phyllida Lloyd ha tenido tres proyectos cinematográficos siendo esta su tercera pieza dentro de su ópera prima. Gloriana peli hecha para TV, Mamma Mia! un musical comercial también con la Streep y finalmente este impresionante proyecto. Viendo los créditos de la peli, me sorprendió el olfato tan afinado que tiene The Weinstein Company para apoyar proyectos muy buenos y transformarlos en favoritos en los Oscar. Desde The King’s Speech hasta The Artist todas parecen tener apenas lo necesario para competir pero siempre salen avantes y gloriosas. Hay que estar muy pendientes de ellos este año pues seguramente nos seguirán sorprendiendo con sus apuestas, en las cuales ya está incluído Brad Pitt quien por fin podría lograr su estatuilla dorada.

Hay muchas formas de abordar esta cinta. Aunque me gustó mucho debo decir que se banaliza una de las figuras más cruentas y despiadadas del siglo pasado. El gobierno de la Thatcher se caracterizó por su prepotencia, su nepotismo y por su gran obstinación que le impedía el diálogo con sus contrincantes. La guerra de Las Malvinas, la muerte de huelguistas de hambre (como Bobby Sands que presenciamos en Hunger) o la macabra alianza con el gobierno Reagan y el Papa Juan Pablo II que les permitió aniquilar el comunismo y la guerra fría de un sólo golpe son apenas humaredas de lo que fue su feroz gobierno. Muchos afirman que la entereza de esta gran personalidad se ve minada porque se centró en el personaje de avanzada edad que era aquejado por su locura senil, sentí por el contrario que la crítica es blanda y que hubiera podido ser más cruda y desgarradora, la mujer de avanzada edad tan sólo buscaba piedad en nuestros corazones.

Aparte de la Streep y su grande desempeño, a su lado brillaron también Jim Broadbent, Alexandra Roach, en el reparto, Thomas Newman y su magnífica composición original, Elliot Davis combinando imágenes de archivo, unos planos delicados pero audaces y una fotografía que nos ambienta perfectamente en cada uno de las épocas de esta biopic pero sobre todo Mark Coulier y J. Roy Helland que con un refinado y poco ostentoso maquillaje lograron aportarle esa sensación que da el azafrán a las comidas, una sensación tan delicada que sumado a la genialidad de la actriz nos roba el aliento y nos abruma cada vez que aparece en pantalla.

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