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Archive for the ‘Psychedelia’ Category

Midnight in Paris

21/06/2011 7 comments

La verdad que fue un poco más que decepcionante pero pues cabe aclarar que yo fui de los pocos que no me gustó Vicky Cristina Barcelona, entonces si alguien es súper fanático de Allen puede que Midnight in Paris le encante. El realizador se había recluído en Inglaterra huyendo del periodismo y la cultura popular estadounidense que lo empezó a juzgar por sus decisiones amorosas. La confrontación, el choque y la migración de su querida Nueva York afectó su creatividad y desarrolló, la que para mi es su gran obra maestra de la decada pasada, Match Point. Un thriller ejemplarmente desarrollado, serio, angustioso, asfixiante, desolador, cero comedia. Scoop fue divertida. Muy divertida y logró combinar ese thriller adquirido con el humor que lo caracteriza y esa fuga hacia su crítica judeocristiana banalizando la vida después de la muerte. Cassandra’s Dream y posteriormente Vicky Cristina Barcelona daban la sensación que el autor había encontrado un nicho placentero y fértil, una dirección que incluso le ha costado mucho a Almodóvar o que Polanski lleva en la sangre madurando desde siempre. Finalmente, Whatever Works y You Will Meet a Tall Dark Stranger (que no la he visto aún pero está en cartelera en este momento) son comedias oscuras que parecieran mostrar la intención del director de volver a su estilo cómico y alejarse del camino recorrido en el suspenso. Midnight in Paris es una demostración más de ello.

Es innegable que la intención de la trama es muy audaz. Gil, interpretado por Owen Wilson, es un escritor exitoso de Hollywood atascado en un nudo creativo que no ha podido solucionar y que resiente de su carrera desarrollada en la industria pues no siente que tenga relevancia con sus verdaderos anhelos, acepta que su prometida Inez, Rachel McAdams, cuadre con sus padres (Kurt Fuller, Mimi Kennedy) un viaje a París de vacaciones en el verano. Su melancolía por épocas pasadas y el deseo de caminar la ciudad bajo la lluvia le hacen pasar chascos desafortunados con sus allegados hasta que un día se ve envuelto en una alocada fiesta donde confronta verdaderamente si todo tiempo pasado fue mejor. La forma en la que van apareciendo el resto de personajes es alocada y sinigual, podríamos decir que muy típico del Allen neoyorquino. Así, el reparto se completa con Marion Cotillard, Alison Pill, Tom Hiddleston, Corey Stoll, Kathy Bates, Adrien Brody, Adrien de Van y Marcial Di Fonzo Bo (Carla Bruni también aparece pero es más un chiste que cualquier otra cosa) en una psicodélica mezcla que divierte mucho pero polariza la trama.

Ese es el principal problema de Midnight in Paris, a mitad del desenlace, a mitad de la resolución de los giros y problemas, a pesar del buen diseño de producción, la edición y composición musical original, a pesar del contraste de la fotografía veraniega del París actual con el de antaño y melancólico de principios del siglo XX, la peli no la logra. Un caballo desbocado que nunca paró ese podría ser el resumen. La audacia del planteamiento se pierde en un error ingenuo increíble para Allen pero que no sorprende en la pantalla.

Cuando estaba en el colegio estudiando los «Ismos» y vanguardias de principios del siglo XX, también quedé sugestionado de primero comprender la posibilidad de estallar en una sóla época tantas tendencias interesantes y la segunda la fascinante convergencia de todos estos artistas en un sólo lugar. ¿Válido para hacer una peli? Por supuesto que sí y por eso mismo es que vale la pena verla.

The Tree of Life

20/06/2011 10 comments

Definitivamente tengo que volverme a ver The Tree of Life; lo que pasa es que creo que voy a perder mi primera impresión en salas, que puede llegar a ser bastante diferente si espero hasta que la traigan a Colombia. The Tree of Life no es una peli fácil de asimilar. Cuando la ví, tenía la cabeza llena de muchas reflexiones porque anduve mucho tiempo pensando en filogenia, taxonomías, especies, teorías de evolución, conservadores radicales y, obvio, creacionismo. Me sentí golpeado fuertemente por lo profundo de su pensamiento y creo poder alcanzado tan sólo un décimo de todo lo que quiso comunicarnos. Muchas de las críticas que he leído al respecto abordan parte de la trama y dañan profundamente su sentido acompañándose de contenido revelador (igual uno pudiera saber el final y de pronto la sensación de la peli no cambia) voy a tratar, sin embargo, al máximo de mantener la trama en el planteamiento más plano considerando su futura experiencia.

Terrence Malick es su realizador y es un escritor-director bastante particular. Contrario a Hollywood y sus directores, Malick en sus cuarenta y dos años de experiencia cinematográfica (su primer corto oficial es de 1969) ha realizado tan sólo cinco largos (por poco y The Tree of Life es parte de su ópera prima pero si analizamos bien la cosa The Thin Red Line de 1998 si es el final de ella) de los cuales me he visto The Thin Red Line, The New World y esta su última producción. Su estilo deviene de su técnica, a pesar de ser tan meticulosa se siente un estado de libertad y libre albedrío encantador, no es reconocible al primer golpe, uno repite sus pelis y va levantando capas y capas, unas veces son detalles de su escritura, otras veces es simbología entrelazada entre las tomas y otras finalmente son detalles que sobresalen por su sencillez y grandeza que al final se concentran fuertemente en crear lazos de empatía entre el espectador y la historia, Malick es maravilloso creando sentimientos estéticos. Justo cuando nos acercábamos al abismo, al final del género de autor presenciando la muerte de los grandes como Lumet, aparece resonante este llanero solitario. Se ganó su reciente publicidad al haber peleado codo a codo con Melancholia de Von Trier en los Cannes de este año (de pronto si Von Trier no hubiera sido tan bocón y tan infantil tratando de llamar la atención a toda costa el resultado hubiera sido diferente) donde finalmente Malick se llevó la Palma de Oro. Dos posiciones existencialistas bastante interesantes, una clara y la otra oscura, una creacionista y la otra apocalíptica.

Hay muchos afiches que andan rodando por la red, me encanta este que escogí por múltiples razones; la sencillez de una foto y sus créditos principales, el piecito del recién nacido que al acercarse muestra la complejidad fractal de sus arrugas y la captura hermosa de lo asombrosa que es la vida colmada en un piecito frágil y delicado. La trama se desarrolla a finales de los 50′s en una subirbia promedio de los Estados Unidos a través de varios veranos se conoce la historia los O’Brien, una familia típica conformada por el padre (Brad Pitt), la madre (Jessica Chastain), y sus hijos (Hunter McCracken, Laramie Eppler). Pareciera que no hay protagonistas, pareciera la historia de una sóla cadena de ADN transformándose o adaptándose a medida que pasa el tiempo. Los ojos de Jack maduro (Sean Penn), el hijo mayor, son los mismos de él cuando era pequeño (admirable trabajo de selección de reparto a cargo de Vicky Boone y Francine Maisler) pero más importante sus ojos son los mismos de su padre y el resultado es el paso de dos generaciones, apenas cincuenta años, una millonésima parte de nuestra existencia en la Tierra comparada directamente con el planeta, el universo mismo, un universo que ha pasado de ser gas y volatilidad, a un complejo conjunto de galaxias, estrellas, planetas. Y así como uno detalla el pie del recién nacido, así mismo como uno detalla la historia de nuestro planeta con sus asombrosos animales y sus impresionantes plantas, la profundidad contemplativa es alucinante.

Esta es tan sólo la primera capa, yo logré descifrar dos capas más que involucran parte del desenvolvimiento de la trama entonces por ahora me quedo con ellas. La peli vale mucho la pena vérsela en cine. Yo fuí afortunado y la ví una sala súper gomela, gigante, con una proyección impecable (el mismo Malick exhortaba a sus compañeros proyeccionistas con una serie de especificaciones para que nuestra experiencia fuera mejor que incluía potencia del bombillo proyector, audio, área de proyección y sonido). Allí lo más impresionante o lo más destacado fue la apreciación majestuosa de su ambientación musical, un trabajo impecable de Alexandre Desplat (The King’s Speech, Fantastic Mr. Fox) con una orquestación que seguramente Alejandro Ramírez disfrutará al máximo ;)

Ya comenzó muy bien con Cannes, no se donde más se vaya a presentar pero seguramente será protagonista en los Oscar del próximo año de pronto con unas diez nominaciones (director, película, guión original, música, mejor canción, mejores efectos especiales, mejor mezcla de sonido, mejor montaje, mejor actor principal para Pitt, mejor actriz principal para Chastain). A la peli se le crítica mucho la falta de un hilo conductor, creo que es un tema discutible pero importante al fin y al cabo.

Přežít svůj život

10/05/2011 1 comment

Přežít svůj život (teorie a praxe) es la peli que me vi el viernes continuando en la muestra de Eurocine. Lo primero que tengo que decir es que, a pesar de haber tenido las boletas para la función del domingo, Hunger, la peli que me parece imperdible de este festival, puedo decir que después de haber visto Přežít svůj život (Surviving Life) me podría ir tranquilo a casa hablando muy bien de Eurocine este año.

La sala a reventar, segunda oportunidad donde el público sabía de antemano que la peli era muy recomendada. Yo estuve de suerte pero también lo preví un poco y fui con dos horas de anticipación a comprar mis boletas; mientras pagaba las mías, a unos cuantos segundos la gente llegaba preguntando por “…esa película checa en stop-motion…” y los empleados simplemente respondian – sí a las 6PM – ¿y boletas? – no, ya no hay boletas. Realmente increíble.

Me dije antes de hacer esta entrada quiero investigar un poco y no ser tan inmediatista o primitivo en mis apuntes pues sé quién fue Carl Jung o quién fue Sigmund Freud, los había estudiado en el colegio de manera extracurricular porque mi mamá era socióloga y le tocó estudiar un par de materias que se llamaban Freud I, Freud II y en algún momento el librito de portadas con rompecabezas de cráneos pasó por mis manos pero hace mucho mucho tiempo. Ahora bien, ¿por qué averiguar sobre este par de personajes? La peli tiene una introducción por parte del escritor y director Jan Švankmajer donde nos prepara con todo lo que nos vamos a enfrentar, palabras de él mismo, una comedia psicológica: “…Comedia porque aunque no nos ríamos vamos a disfrutar el evento de vivenciar esta pieza y psicológica porque aparece un psicoanalista“; lo cual infiere una base académica de psicoanálisis un poco profunda (menos mal en la obra, el psicoanalista resume y va explicando un poco el trayecto del conflicto para no entrar en una pieza sin sentido, con un concepto base de un manifiesto previo).

Dicho esto, explica que esta peli fue hecha en animación tradicional, como se hacían anteriormente las pelis para niños y fue debido a la falta de presupuesto donde no se podía pagar altos salarios a los actores o grandes montajes. La primera sensación que tuve es que la artesanía que comprende la factura de este filme es tan alta que incluso tomando esta decisión por presupuesto les debía salir muchísimo más caro. Después investigando, Švankmajer es un animador surrealista de mucho renombre que incluso ha logrado con su trabajo influir a Tim Burton y Terry Gilliam, siendo un célebre animador y punto de referencia en este campo. Su estilo está enmarcado en la exageración de sonidos sobretodo en las escenas de comida, además usa frecuentemente animaciones torpes y muy rápidas para los caminados y acostumbra a darle vida a objetos inanimados mediante la técnica del stop-motion, siendo los alimentos su objeto y medio favorito.

Para los que vimos Přežít svůj život, ya en este momento hemos entendido un par de cosas pero hablar de la animación y estilo de Švankmajer en esta peli es tan sólo la punta del iceberg. Celebrar su paradigma semiótico es lo que verdaderamente atañe al espectador o crítico de esta pieza. De esta forma la segunda parte de esta entrada es dedicada a los sueños, de manera escueta y desordenada, definiendo el significado aproximado de varios elementos que aparecían durante el filme, redondearlos en un resumen en una tercera parte y finalmente la conclusión de esta entrada (casi que toca abordar el análisis en un metódo científico estricto para tratar de no perderse en las múltiples ramas que surgen de cada escena, de cada pensamiento, de cada imagen).

* Así como el cine no es un lenguaje, donde se pueda decir que cada uno de sus significantes por ejemplo el sol denota esperanza y prosperidad por decir cualquier cosa (y este es un tema para muchas más entradas), así mismo los siguientes acercamientos del significado de los sueños es un trabajo aproximado, subjetivo, no es un diccionario y no se puede usar tampoco como esquema para interpretar de aquí en adelante los sueños. Lo que pasa es que la idea o más bien lo que connotan estos símbolos da una idea muy interesante de la intención consciente o inconsciente del director.

  1. Soñar serpientes no sólamente es desagradable, sino por lo general presagio de problemas provocados por la mentira, el engaño, la traición o el sexo.
  2. Soñar gallinas cacareando generalmente es señal de disgustos por chismes y habladurías. También suele indicar la noticia inesperada que alguien conocido cayó en la ruina o murió.
  3. Soñar huevos en los matrimonios suele anunciar que se tendrán varios hijos. Si se sueña que están rotos insinúa que es posible conseguir lo que desea, pero actuando con cautela para evitar tropiezos.
  4. Soñar hermosas manzanas por lo general es un buen presagio. Ver manzanas al alcance de la mano y listas para comerse, es anuncio de próximos éxitos largamente esperados. Por el contrario, soñar manzanas en lo alto de un árbol y por ello fuera del alcance de las manos, indica que sus metas aún tardarán en realizarse, por lo que, mientras tanto, debe trabajar arduamente.
  5. Soñar a un viejo y sucio mendigo es signo de que los propios asuntos no se están manejando correctamente, lo que puede conducir a la pobreza. El no atender a esta advertencia puede redundar en pérdidas tanto de valores como de prestigio.
  6. Soñar a su madre, ya muerta, en su personalidad natural indica una protección superior que le ayudará a alcanzar el éxito. Soñar a su madre ya muerta es anuncio de tristezas, frustraciones, fracasos, etc. Soñar a su madre llorando indica que en el hogar algo marcha muy mal y hay riesgo de padecer penurias, enfermedades y otros malestares.
  7. Soñar al propio padre puede significar que se acercan problemas cuya solución requiere del consejo paterno. En caso de que el padre ya haya fallecido puede significar que los problemas son graves y que debe actuar con máxima precaución.
  8. Soñar una lagartija indica que se está llevando, por lo menos hasta el presente, una vida miserable no tanto en lo económico, sino principalmente en lo mental, moral y social; es decir, muy cercana a lo vulgar y sucio. La lagartija no es símbolo de inteligencia, sino por el contrario, de torpeza y de existencia vegetativa. En la realidad la lagartija representa la involución de gigantescos dinosaurios de la antigüedad, y eso mismo indica en los sueños, o sea, que el subconsciente está advirtiendo al soñante que su actitud mental no es lo que se espera de un ser humano de esta época.
  9. Soñar con sapos o ranas es de muy buen augurio, sin importar si durante el sueño se les come, se les ve, se les escucha o se tiene un apasionado encuentro con ellas. Las ranas también suelen representar el cambio y la transformación en una forma positiva.
  10. Soñar a otras personas desnudas es símbolo de que se desea tener placeres ilícitos.
  11. Soñarse sangrando pero sin sentir dolor, y aunque no se identifique de dónde mana, insinúa que el soñante anhela liberarse de alguna situación molesta que le impide lograr lo que se ha propuesto desde hace mucho tiempo. Soñar sangre resultante de una herida de otra persona o en el propio soñante indica que su estado de salud no es bueno, por lo que debe cuidarse.

Primero, estas son aproximaciones algo frívolas de lo que puede significar un elemento descontextualizado en un sueño, sin embargo, como ayuda a entender ciertas cositas, ¿no?. Segundo, si esto nos ayuda a entrever parte del intrincado mundo subconsciente de Evzen, imagínense el resto de elementos que también encontré como soñarse descalzo, corriendo, con perros, soñarse llorando, en pijamas, soñar con rubor, con sombreros, flores, ruinas, tanques, navajas, en fin, una colección infinita de cuanta chuchería este personaje soñó.

Al final la trama psicodélica resultante del análisis de Jung versus el análisis de Freud, exponen la actitud del director de sentirse incierto frente al fuego cruzado de estos dos personajes que trataron de explicar mediante temores y represiones (uno) o mediante proyecciones y anhelos (el otro) la actividad subconsiente del sueño. Hoy, en día tampoco se puede asegurar que implicaciones tienen las memorias errantes en un capítulo de sueño REM (siglas de su nombre en inglés para Movimiento Rápido del Ojo) sin embargo contrario a lo que expone Freud no son actitudes censurables de un ser inconsciente tratando de liberarse de culpas. Las fantasías no son pecados, no son pesares, no son necesidades materiales, son el resultado del estado de descanso de la mente donde después de un largo día de trabajo ocupándose de todas las actividades motoras, térmicas y cardio-respiratorias se posa en una fase de libertad absoluta donde juega indiscriminadamente con la realidad y la imaginación.

Para Freud existe mucha perversión en el estado subconsciente de una persona, fue él quien dedujo que nuestra madurez psicológica está determinada por los traumas de nuestra infancia que proyectamos siendo adultos. Fue quien dedujo los estados de placer y vicios como anulaciones o adulaciones en los periodos de desarrollo fisiológico sexual y, finalmente, fue quien propuso los complejos de Edipo y Electra donde cada ser está condenado a desear sexualmente a su progenitor contrario por la sensación protectora que tuvimos de ellos en nuestra infancia.

Esta peli juega con uno de esos complejos, lo plantea en teoría, se regocija en el conflicto consciente de desear a un progenitor y explora las profundidades más inimaginables de sus consecuencias. No es una historia sencilla, como les digo, llevo investigando un buen rato, sigo pensando cosas al respecto pero creo que es un buen acercamiento a donde quería llegar por el momento. Siento igual, como decía en la entrada de Nothing Personal el estudio del alma no debería referirse a su estado patológico, su estudio debe entenderse por las ciencias sociales y las artes porque al verse como enfermedad o condición patológica se juzga en principio como nocivo o condición nociva.

Tribeca 2011

por Diego Taborda

Un año más y la ciudad más loca de todas nos ofreció su festival de cine de Tribeca. El pasado jueves 28 de abril El festival dejó conocer a los ganadores de este año anunciándolos desde la ceremonia celebrada en el W Union Square. Este año los ganadores salieron de una selección mundial de doce cintas argumentales y doce documentales de ventiún países pero también hubo espacio para los directores de ópera prima, cortos y los premios domésticos que al final redondearon las cifras en noventa y tres largometrajes, sesenta cortos y cuarenta países.

Como particularidad dos categorías se abrieron este año para los argumentales, mejor guión y mejor cinematografía; para los documentales se adjunto en la competición mejor montaje.

Competencia 2011 para Argumentales:

  • The Founders Award for Best Narrative Feature
    Apflickorna dirigida por Lisa Aschan (Suecia)
  • Best Actress in a Narrative Feature Film
    Carice Van Houten en Black Butterflies dirigida por Paula Van Der Oest (Alemania, Holanda, Sudáfrica)
  • Best Actor in a Narrative Feature Film
    Ramadhan “Shami” Bizimana en Matière Grise dirigida por Kivu Ruhorahoza (Ruanda, Australia)
  • Best Cinematography
    Luisa Tillinger por Paraísos artificiales dirigida por Yulene Olaizola (México)
  • Best Screenplay
    Jannicke Systad Jacobsen por Få meg på, for faen dirigida por Jannicke Systad Jacobsen (Noruega)

Competencia 2011 para Nuevos Argumentales:

  • Best New Narrative Director
    Park Jungbum escritor y director de Musanilgi (Corea del Sur)
  • Special Jury Mention
    Kivu Ruhorahoza escritor y director de Matière Grise (Ruanda, Australia)

Competencia 2011 para Documentales:

  • Best Documentary Feature
    Bombay Beach dirigida por Alma Har’el (Israel, Estados Unidos)
  • Best Editing in a Documentary Feature
    Purcell Carson por Semper Fi: Always Faithful (Estados Unidos)

Competencia 2011 para Nuevos Documentales:

  • Best New Documentary Director
    Pablo Croce por Like Water (Estados Unidos)
  • Special Jury Mention
    Michael Collins director de Give Up Tomorrow (Reino Unido, Estados Unidos)

Akira

Veintitrés años después de su lanzamiento, puedo afirmar que me vi Akira de Katsuhiro Ôtomo. Es una peli de culto basada en un manga del mismo nombre que enfrasca una novela épica de ciencia ficción ubicada en el año 2019 en Neo-Tokyio, una ciudad de la post guerra y como tal que es pionera en el término cyberpunk.

Por un lado, es criticada por su adaptación de los personajes y escenarios sobre los originales del manga que se publicó desde 1982 hasta casi 1990. Como saben, los mangas son novelas hechas de pulpa barata para leerse en el metro, son los “pulp fiction” japoneses y esta logró un impacto muy fuerte llegando a considerar casi 2182 páginas de ilustraciones y viñetas. La historia es un poco enredada al principio y el tono sicodélico, no ayuda mucho a entender muy bien el sofisticado planteamiento. Tetsuo Shima es abducido y alterado mentalmente por una agencia del gobierno que investiga la supuesta presencia de Akira en la sociedad. Tres «genoinfantes» son los encargados de su madurez intelectual que potencia la telequinésis pero a la vez altera sus miedos y ansiedades más profundas. Shôtarô Kaneda es amigo de infancia de Tetsuo y emprende su búsqueda de manera frenética ayudado de Kei una niña que conoce en una inspección de policia.

No sólo el hecho que no hay computador y que es pionero de este tipo de animación japonesa, Akira se vuelve hito por su compleja e intrincada ciencia ficción. La animación tiene sus orígenes en Japón a principios del siglo XX, pero sólo hasta los 60′s o 70′s se empieza a conjugar con los mangas y realmente a desarrollar un producto original y autóctono. La cultura japonesa que honra la tradición potencia las labores específicas de ciertos animadores, por ejemplo, hay maestros en el arte de dibujar robots como también maestros para animarlos. Akira da la pauta para el género de ciencia ficción a nivel de novela épica y aunque no es mi favorita si es clara influencia de muchas otras posteriores personalmente más interesantes como por ejemplo Ghost in the Shell. Akira además abrió el mercado occidental y posó los ojos de festivales en este género no tan común entre nosotros para así en 1992 (casi diez años después del lanzamiento del manga y cuatro después de su peli) llevarse el Silver Scream en Amsterdam.

Hausu

Yo nací en el año 1977 y revisando las pelis que se estrenaron ese año siempre me llamó la atención Hausu (House) de Nobuhiko Ôbayashi por su poderoso afiche naranja. No hay mucho que aportar, no soy muy fanático del género Camp y esta indudablemente cabe dentro de la categoría. Algo sicodélica, desaseada, con excesivos fundidos y efectos que no aportaron nunca a la trama Hausu es sin duda una de las peores pelis japonesas que me he visto.

Queriendo ser una peli de suspenso su peor desacierto es la edición musical, que termina siendo ramplona y desafortunada. Pero la música es tan sólo uno de los tantos factores que hacen nefasta esta pieza. Las actuaciones no tienen tono en absoluto, las niñas están muy sobreactuadas y no se siente hilo conductor o desarrollo de sus personajes. El montaje es patético así como la fotografía, las cámaras, el diseño de producción.

A diferencia de Waters no veo ningún sentido transgresor, la estetica es rudimentaria y naif y los desnudos de las niñas son más que fortuitos. La verdad creo que es una peli sobrevalorada, no la siento de culto y aunque Ôbayashi tenga más de 40 títulos en su haber, habría que revisar muy bien su proceso porque lo que es su ópera prima deja mucho que desear.

Afiches más Destacados

Naked Lunch

23/03/2011 3 comments

Hay pelis extrañas de David Cronenberg y esta Naked Lunch. Una historia llena de trucos, giros y alucinaciones que descompensa cualquier brote de cordura de los espectadores. Voy a necesitar mucha ayuda de quien la quiera proveer, la baja puntuación de esta peli tan sólo puede ser comparada con la ignorancia mía sobre el tema. Mis más sinceras disculpas pero pues la peli está basada en la novela homónima de William S. Burroughs que no he leído, que a su vez fue la pieza que demarcó el estilo de este autor y su afiliación al movimiento «Beatnik» que no conozco mucho tampoco. Lo que pude averiguar es que Jack Kerouac le ayudó a Burroughs con el nombre y Allen Ginsberg en la compilación del texto (ambos motores de este movimiento) y se refiere el autor a la descripción más cruda y simple del acto de comer.

En fin, William Lee (que es es el seudónimo de Burroughs) es un exterminador de bichos que descubre que su esposa empieza a agotar sus existencias de material pesticida mediante su consumo exagerado como droga alucinógena Este primer contacto en la historia con los personajes y su adicción al veneno de cucarachas es chocante pero no tanto como la subsecuente alucinación casi «kafkiana» de bichos, artrópodos y coleópteros. La historia continúa y el nivel de paranoia aumenta, los bichos empiezan a abundar y sus formas son cada vez más fálicas, más rectales, más absurdas por lo mismo más interesante.

Peter Weller interpreta a Lee que se deja cautivar por los narcóticos y se involucra en una conspiración surrealista; conspiración que lo incita a jugar con la vida de su esposa, donde los bichos lo empiezan a presionar hasta la locura y donde Ian Holm se vuelve parte de la contra-conspiración en un juego interesante de diálogos, realidades paralelas y de nuevo el uso de los doppelgänger donde Judy Davis interpreta a la esposa de Weller y a la esposa de Holm.

Cronenberg logra muy buena aceptación con esta peli. Su equipo de los cuatro fantásticos (Shore, Suschitzky, Sanders, Cronenberg) recogen también sus reconocimientos. Logran nominación al Oso de Oro de Berlín, mejor guión para Cronenberg en Boston, Londres, Nueva York y arrasaron en los Genie. Sería demasiado impertinente por parte de mi ignorancia no recomendarla.

Black Swan

04/03/2011 6 comments

Observar una peli de Darren Aronofsky no es fácil ¿quién ha dicho que es fácil? Eso es lo que las hace verdaderamente divertidas. Su neurosis llevada al máximo en Pi nos produce tensión, dolor de cabeza y nos confronta con nuestra propia psiquis. Confrontamiento contundente en Requiem for a Dream donde la historia y su resolución nos dejan boquiabiertos, no podemos sino chistar nerviosamente y tratar de resolver nuestras propias inquietudes con calma, al calor de unos tragos, con los amigos en profunda reflexión.

Digamos que no estuve muy convencido con The Fountain porque me pareció sin ritmo, excesiva, un paréntesis comercial de un romance demasiado elaborado pero igual con cierto atractivo. Nos vuelve a encantar Aronofsky con The Wrestler una producción de corte independiente, mucho más visceral, más humana, empática, de una caraga dramática intensa y con unas actuaciones súper destacadas.

Black Swan puede llegar a ser del mismo estilo que The Wrestler, pero mientras este último tenía mucho de lenguaje documental y era más vivencial, casi una biopic de Randy “The Ram” Robinson una metáfora directa de la experiencia misma de Mickey Rourke, Black Swan es una historia más elaborada, un thriller psicológico sobre la inestabilidad emocional de una bailarina que busca la perfección como artista y de los sacrificios que debe hacer para lograrlo. Las historias pueden ser sencillas pero Aronofsky no queda satisfecho, profundiza más y más y a medida que avanza la peli nos enfrentamos no sólo a una neurosis excerbada, no sólo a una dicotomia de personalidades, sino a un clásico instantáneo del género de autor. Por un lado la historia nos va conduciendo de nuevo en una metáfora «tchaikovskiana» directa y por el otro la misma metáfora nos demuestra un director muy maduro, contundente, agresivo.

Creo que sobra decir que la peli me encantó. Cuando escucho a Tchaikovsky en un abrir y cerrar de ojos me translado a la época de primaria en el colegio. Recuerdo con melancolía El Cascanueces y por supuesto El Lago de los Cisnes. Me acuerdo mucho más de la historia del Cascanueces porque nos tocó interpretarlo en conjunto con los cursos de cuarto y quinto elemental, siendo una de las grandes producciones del Colegio. No me acordaba completamente de la historia del Lago de los Cisnes mucho menos del desenlace. Muchas veces, muy pequeño, acostumbrado a la información audiovisual, asistía a las presentaciones de ballet de esta obra y me parecía bonita, no había mayor drama, sólo la confrontación de un amor imposible. Lo extraño es que a esa edad ya había visto Cat People o The Hunger y ese drama si me había cautivado, si me había conmovido. Digamos que esta peli no me llena sólo a nivel melancólico, la peli en sí es una reiteración de golpes bajos que van encarrilando tensionantemente al espectador hacia un desfiladero emocional. Un desenlace inesperado pero gratamente bien desarrollado.

Matthew Libatique en cinematografía, Andrew Weisblum en montaje, Clint Mansell en música original, Darren Aronofsky y la abrumadora, conmovedora, excelente Natalie Portman en el papel principal nos conjugan una pieza impresionante. Un imperdible.

Debo confesar que no fue fácil escribir esta entrada. La llevaba elaborando toda la semana y todos los días me sentaba frente al computador pero quería hablar de muchas cosas y al final quedaba en blanco. No quería ser para nada pretencioso y llenarme de florituras intelectualoides como “posmodernismo, prosopopeya, metalingüística“, quería decir lo fascinante que fue estar frente a la Portman en un papel retador colmado con suficiencia, excelencia y supremacía, quería decir lo mucho que me asusté, lo mucho que disfruté de las figuras literarias del director y su obra, quería decir que así fuese Vincent Cassel una de las figuras secundarias en la historia sus líneas de diálogo fueron las más ácidas, las más críticas, las del detonante más fuerte, no tenía que actuar demasiado sólo tenía que soltar su línea en el momento adecuado y un latigo condenaba esta virginal muchachita dominada por el encierro de su propia mente.

La disfruté mucho y creo me la voy a repetir muchas veces.

127 Hours

25/02/2011 6 comments

Quiero decir que Danny Boyle es uno de mis directores favoritos a pesar de Slumdog Millionaire. Si, soy de los pocos que detesta esa peli. He seguido la trayectoria del director desde Shallow Grave en 1994, cuando estaba en la universidad, fui a salas súper alternativas para ver Trainspotting en 1996 porque estaba censurada por su acercamiento al consumo de heroína y la apología a su uso, me encantó la comedia de corte policiaca A Life Less Ordinary de 1997 con esa bellísima canción de BeckDeadweight” en su banda sonora.

Siento que The Beach fue su primer lunar al interpretar un Señor de las Moscas demasiado ligero pero después volvió al gore y me encantó con 28 Days Later… y Sunshine (antes de Sunshine hay una peli llamada Millions que es la única que me he perdido pero ya estoy en la tarea de buscarla pues tiene muy buenas referencias).

127 Hours llega fuerte a los Oscar con nominaciones como mejor guión adaptado, mejor canción, mejor banda sonora, mejor montaje, mejor película, mejor actor principal.

Lo más espectacular de esta peli es la historia y cómo la desarrolló Boyle pues además de que el espectador sabe el final, es alertado por los medios de comunicación de su contenido y que no hay mayores actores alrededor de James Franco, la peli sorprende, maravilla y lo hace alucinar. El montaje es impresionante, creo que es lo que más me gusta de la peli, y en momentos tensionantes sumado a la mezcla de sonido la peli logró que se me destemplaran los dientes.

Sumamente sorprendido, para bien, con el monólogo de Franco, le va a tocar dura la competencia aunque no creo que logre derrotar a Colin Firth pero es un gran logro para su carrera profesional que ha tendido a ser más comercial pero que últimamente ha logrado en proyectos importantes y bien reconocidos (a excepción de la perversa Pineapple Express).

La semana pasada con el conocimiento de los BAFTA’s pensé que la cuestión de los Oscar estaba ya decidida (en realidad lo sigo pensando) pero mi reflexión es que incluso sin haber visto Black Swan este es un año bastante, bastante competido y no es fácil dar un favorito personal.

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